Agustín Ibarrola




Agustín Ibarrola: https://agustinibarrola.com/  (muy interesante su Galería/tienda)

Tras comenzar su relación con la pintura de forma autodidacta (a los 16 años realizó su primera exposición), en 1948 la Diputación de Vizcaya y el Ayuntamiento de Bilbao le concedieron una beca con la que se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en el taller de Daniel Vázquez Díaz, hasta 1955. Junto con este dio sus primeros pasos en el cubismo.

En 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis del espacio propia del constructivismo. También aprendió de Oteiza la mentalidad de creación artística conjunta, donde participaran numerosos artistas y diferentes artes.

En 1956, y tras realizar diversas exposiciones en España, se trasladó a París. En esta ciudad conoció a otros artistas españoles residentes allí, con los cuales en 1957, en el café Rond Point fundaron el Equipo 57; integrantes de dicho grupo fueron José Duarte, Ángel Duarte y Juan Serrano. En este época, a través de José Ortega, descubre la técnica del grabado y se integra en el movimiento de "Estampa Popular" del País Vasco. Esta es su época del constructivismo.

Durante los años 60 inicia su actividad política, siendo detenido en junio 1962 en Bilbao. Durante los 21 días que estuvo en comisaría fue torturado. «Nos pegaron hasta despellejarnos. El pellejo lo teníamos fuera de su sitio; teníamos partes del cuerpo en carne viva. Yo orinaba sangre muchos días», recordó Ibarrola. Como ha señalado el historiador César Lorenzo, «la ideología comunista del detenido, a quien acusaban de ser informante de Radio España Independiente, la Pirenaica; su relativa juventud (31 años) y el momento y el lugar de la detención, en una de las provincias de mayor conflictividad obrera, jugaron en su contra». Fue condenado en un consejo de guerra a nueve años de prisión.


Estuvo encarcelado en la prisión de Burgos entre 1962 y 1965. Posteriormente participó en diversas huelgas obreras, motivo por el cual fue encarcelado de nuevo en 1967 y estuvo en prisión hasta 1973. Durante ambas estancias en prisión continuó pintando.


En 1963 se celebró una exposición de su obra en Londres donde sus trabajos merecieron que la crítica le comparase con el papel que desarrolló Goya en su obra Los desastres de la guerra.


Su obra pictórica es un desarrollo plástico de su ideología política, pudiendo ser inscrita dentro de la pintura social, denunciando la realidad del proletariado y el mundo rural. Su obra conjuga el espíritu vasco con el compromiso social con los trabajadores, las gentes más humildes y tiende hacia el expresionismo.

Fundador y miembro del Equipo 57, en cuyo seno realizó diversos estudios sobre los espacios curvos y sobre las relaciones positivo-negativo y cóncavo-convexo que posteriormente influyeron notablemente en su planteamiento estético. En la década de los 80 inició su actividad escultórica y su singular visión de la obra pictórica, reflejada posteriormente en algunas de sus obras, como sus "Bosques".

Hace algunos años decidió retirarse a su caserío realizando obras pictóricas y escultóricas de gran formato, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones pictóricas realizadas en árboles. Un ejemplo de estos, y quizá su trabajo más conocido, es el Bosque de Oma, cerca de Guernica. En él se inspiró el dramaturgo Pedro Víllora para su obra Electra en Oma.


Siguiendo el "formato" elegido en Oma, Ibarrola realizó en Salamanca el conocido como "Bosque Encantado". Se trata de un lugar, a orillas del río Tormes, donde se han ubicado una serie de olmos secos, debido a la enfermedad de la grafiosis, propia de estos árboles. Con ellos, Ibarrola, junto con algunos alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca creó el citado bosque, decorando los olmos con motivos de pintura de vivos colores, por la que hubo gran controversia social. En 2012 y después del deterioro por las inclemencias del tiempo esta obra fue completamente desmantelada.

En 1993, algunas de sus obras, y otras de Jorge Oteiza y Jon Iturrarte sufrieron sucesivos atentados por motivos políticos, todas ellas ubicadas en el País Vasco. En el año 2000 fueron destruidas las cortezas de unos cien árboles del Bosque de Oma y dos fueron talados tras una primera agresión de los propietarios del Bosque. Otras obras del artista también sufrieron agresiones

En los últimos años se ha involucrado en movimientos sociales por lucha contra el terrorismo de ETA en el País Vasco, siendo miembro fundador a la plataforma ¡Basta Ya! y del Foro de Ermua (cuyo logo, El Faro, fue diseñado por él en 1998) de lucha cívica contra el terrorismo en el País Vasco. También ha manifestado en diversas ocasiones su apoyo al partido Unión Progreso y Democracia, nacido en el seno de ¡Basta Ya!, llegando a donar para subasta dos de sus obras con el fin de recaudar fondos para dicho partido.

Takashi Murakami



Takashi Murakami nació y creció en Tokio, Japón. Fue un seguidor entusiasta de animación y manga (tiras cómicas japonesas), aspirando a un trabajo en la industria de la animación. Asistió a T.U.A Tokyo University of the Arts, buscando, al principio, adquirir las habilidades de bosquejo necesarias para la animación, pero más tarde se especializó en Nihonga, estilo tradicional de pintura japonesa que incorpora convenciones japonesas tradicionales artísticas, así como técnicas y sujetos. A pesar de obtener un doctorado de filosofía en Nihonga, se desilusionó por el mundo insular, sumamente político, y comenzó a explorar estilos contemporáneos, medios de comunicación y estrategias.​


Murakami estaba insatisfecho con el arte contemporáneo en Japón, asegurando que era "una apropiación profunda de tendencias Occidentales."​ Así, la mayor parte de su trabajo temprano fue hecho como crítica social y sátira. Las obras de este período incluyen el performance (Osaka Mixer Project, 1992), parodia del "mensaje" del arte popular en Japón a principios de los años 90, (DOBOZITE DOBOZITE OSHAMANBE, 1993) y trabajos conceptuales (p.ej. Randoseru Project, 1991). Murakami comenzó, también, a desarrollar su propio icono pop: "Sr. DOB" que más tarde se convertiría en una forma de autorretrato, el primero de varios morphing y adornos que se repiten en su trabajo. Aunque llamó la atención, su arte temprano no fue bien recibido en Japón.5​



En 1994, Murakami recibió una beca del Consejo Asiático Cultural y participó en PS International Studio Program en Nueva York durante un año. Durante su estancia, fue expuesto y sumamente inspirado por artistas occidentales contemporáneos como Anselm Kiefer y Jeff Koons. En esa época estableció un pequeño estudio, que, junto a la Fábrica Hiropon en Japón, fueron precursores de su empresa Kaikai Kiki. Al volver a Japón, Murakami desarrollaría los conceptos centrales detrás de su práctica artística y comenzaría a exponer con regularidad en importantes galerías e instituciones a lo largo de Europa y América.

Murakami ha expresado una frustración con la falta de un mercado confiable y sostenible de arte en el Japón de la posguerra. En gran parte por esta razón, formuló una estrategia que incluía establecerse en el mundo del arte occidental para después regresar su país natal, Japón, construyendo un nuevo mercado de arte en el proceso.​ Esperando crear algo cercano a su propia cultura e historia japonesa, pero todavía fresco y válido internacionalmente, comenzó a buscar algo que podría ser considerado 'únicamente el japonés.' Después de llegar a la conclusión de que elementos arte 'alto' confundían, comenzó a enfocarse en la cultura 'baja' de Japón, sobre todo en el anime, la manga y la subcultura más grande: otaku. Murakami sintió que estos elementos tenían el potencial para ser claves de su trabajo. Su estilo artístico y adornos (personajes lindos/inquietantes de anime en colores brillantes, superficies planas y sumamente brillantes, esculturas tamaño natural de estatuillas anime) fueron resultado de este concepto estratégico.​



En 2000, Murakami publicó su teoría “Superflat” en el catálogo para una exposición del mismo nombre que creó para el Museum of Contemporary Art, en Los Ángeles. La teoría postula que hay una herencia de imágenes bi-dimensionales que han existido durante toda la historia japonesa del arte y continúan actualmente a través del manga y el anime. Superflat se diferencia del estilo occidental en su énfasis sobre la superficie y el empleo de los planos de color. Superflat también sirvió como crítica contra la sociedad japonesa de la posguerra en la cual, Murakami argumenta, las diferencias de clase social y el gusto popular han sido 'aplanadas', produciendo una cultura con poca distinción entre 'alto' 'y bajo'. La teoría proporcionó el fondo contextual para su trabajo posterior con las exposiciones subsecuentes Coloriage (2002, Fondation Cartier vierten l'art contemporain, París) y Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture (2005, Japan Society, Nueva York). Estas exposiciones ayudaron a introducir la cultura menos conocida de Japón y a incorporar la práctica multifacética de Murakami.

Conforme al concepto Superflat, la práctica de Murakami implica elementos repackaging, por lo general son considerados "bajos" o sub-culturales, y presentarlos como arte "alto". Murakami re-empaca su arte "alto" como mercancía: juguetes afelpados y camisetas, haciéndolos disponibles a precios más económicos.



En 1996, Murakami lanzó Hiropon Factory, un taller de producción para trabajar en una escala cada vez más grande y en una serie más diversa de medios de comunicación. Su modelo es heredado del sistema atelier, que ha existido durante mucho tiempo en la pintura japonesa, en printmaking, escultura, así como en anime y empresas de manga como Hayao Miyazaki’s Studio Ghibli. En 2001, Hiropon Factory fue convertida en Kaikai Kiki Co., Ltd.

De 2007 a 2009, la primera exposición retrospectiva de Murakami ©Murakami viajó de Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, Estados Unidos, al Brooklyn Museum of Art en Nueva York, Estados Unidos, el Museo für Moderne Kunst en Fráncfort, Alemania, y finalmente al Museo Guggenheim Bilbao, España. La exposición ganó atención, entre otras cosas, por incluir una pequeña tienda de moda Louis Vuitton totalmente en movimiento.



En 2008, Murakami fue incluido en el conteo "Las 100 Personas más influyentes" de la revista Time, siendo el único artista visual.

Desde 2010, Murakami ha apoyado "CHAOS*LOUNGE" (ja:カオス*ラウンジ)​ un grupo de arte moderno en Japón.

En septiembre de 2010, Murakami se hizo el tercer artista contemporáneo, y el primer japonés, en exponer sus trabajos en el Palacio de Versalles en Francia, llenando 15 espacios y el parque con sus esculturas, pinturas, una alfombra decorativa, y lámparas.

En febrero de 2012, Murakami abrió una exposición en Doha, Qatar. Titulada Murakami-ego, la exposición mostró alrededor de 60 trabajos viejos junto a nuevos diseños. Entre los nuevos, una pintura de pared de 100 metros de largo que representa el sufrimiento de los japoneses después del desastre nuclear de Fukushima.

En marzo de 2013, livetune liberó un PV, dirigido por Murakami, para un disco nuevo que incluía a Hatsune Miku.

En abril de 2013, la primera película de Murakami fue liberada en Japón. “Jellyfish Eyes” (originalmente llamada “Me me me no kurage”​) es una película de acción que destaca personajes diseñados por Murakami llamados FRIEND.

El arte de Murakami abarca una amplia gama de medios y generalmente es descrita como el Superflat. Su trabajo ha sido notado por su empleo del color, incorporación de adornos de la cultura japonesa tradicional y popular, superficies planas/brillantes y un contenido que podría ser descrito como «lindo», «psicodélico» o «satírico». Entre sus adornos más famosos están flores riendo, setas, cráneos, iconografía budista, y los complejos sexuales de la cultura otaku.



Además de pinturas grandes, como (colección permanente Museo de Arte Moderna, Nueva York), y Tan Tan Bo Puking - a.k.a. Gero Tan, también ha producido esculturas, globos, instalaciones con tapices, trabajos animados, copias, carteles y mercancía.​

El 21 de junio de 2011, Google publicó un doodle llamado “First Day of Summer” creado por Murakami. Fue acompañado por un doodle de Solsticio de invierno para el Hemisferio austral.​

Entre 2019 y 2020, colaboró con el cantante colombiano J Balvin para el estilo artístico y los videoclips de su álbum Colores, el cual usa las icónicas flores de Murakami, además de la colección de ropa de la marca Guess.

Ramon Moscardó




Ramon Moscardó es un Pintor post-impresionista que a lo largo de los años ha ido ampliando su registro con formas cubistas y expresionistas.

Ramon Moscardó practica una pintura amable y costumbrista, de exteriores populares, cafés y bares de Barcelona, Cadaqués… También elabora interiores de tiendas con personajes, gatos y violines. A menudo, la nostalgia está presente en estos espacios y sus naturalezas muertas.

Su dibujo poco definido, pero virtuoso y valiente, convierte la pintura en algo mágico.

Desde el año 1990 vive en Cadaqués, aunque nunca deja de viajar en busca de nuevas impresiones para transformarlas en sensaciones a través de sus pinceladas.

Desde hace muchos años, la obra gráfica original también forma parte de su creación. Expone periódicamente en Barcelona y Sant Cugat.

www.moscardo.com

Carlos Azañedo


Carlos Azañedo es graduado en arquitectura en Madrid con mención honorifica. Plasma su experiencia en sus obras, retratando ciudades imaginarias como telón de fondo del bullicio de la escena social urbana. Carlos Azañedo nació en Madrid en 1990, aunque está muy vinculado a Ávila, por su familia materna.

Plasma su experiencia en sus obras, retratando ciudades imaginarias como telón de fondo del bullicio de la escena social urbana.

Sin embargo, aún siendo totalmente imaginarias, hay referencias a ciudades reales. Hay ciudades que le sirven de inspiración: Madrid, la Gran Vía de Madrid, Nueva York…

El color, la proporción y una perspectiva precisa son elementos cuidados al detalle, pero sobre todo, destacan las pinceladas alegres como clave de estos deslumbrantes trabajos, en los que Carlos busca expresar su mundo interior a través de una "creatividad pura sin límites ni condiciones". 

Azañedo ha recibido la medalla de honor de la fundación GEN TEN en Japón por su exposición en el Museo Municipal de Osaka, donde su trabajo ha quedado expuesto de manera permanente. Al mismo tiempo ha aparecido en diversos medios de comunicación, destacando la revista parisina de moda masculina L’OfficielHommes. 

En la actualidad expone en Londres al mismo tiempo que ha comenzado a abrirse camino en su ciudad natal, Madrid.

Stefan Plenkers



Stefan Plenkers creció en Görlitz . En la escuela secundaria comienza su interés por el arte al recibir una variedad de ideas creativas de su maestro de dibujo Werner Panitz, quien había sido un alumno maestro de Otto Mueller .

Plenkers completó un aprendizaje como tipógrafo de 1963 a 1965. Luego trabajó a tiempo parcial en el departamento de tipografía de la Escuela de Gráficos y Arte del Libro de Leipzig . Después de su servicio militar, en 1967 renunció a la deseada y ya recibida plaza de estudios en la universidad en cuestión y en su lugar comenzó un curso de cinco años en gráficos en la Universidad de Bellas Artes de Dresde . Fue enseñado por los profesores Gerhard Kettner y Günter Horlbeck . Las amistades de artistas posteriores con la misma edad Rainer Zille , Joachim Böttcher y Veit Hofmann comenzaron aquí.

Comenzó su trabajo autónomo en 1973 en Bad Muskau , fue a Cottbus en 1974 (vivo intercambio artístico con Hans Scheuerecker y Dieter Ladewig ), antes de establecerse de nuevo definitivamente en su lugar de estudio en Dresde al año siguiente. De 1980 a 1982 fue alumno de maestría en Kettner .

Plenkers, que quedó impresionado por las personalidades artísticas de Dresde de la generación anterior como Wilhelm Rudolph y Bernhard Kretzschmar , practicó técnicas gráficas en la primera fase de su trabajo. La pintura al óleo se añadió en 1969. Al principio, sus temas incluían interiores vacíos rotos, mesas abandonadas, espejos sobre espejos, carpas, velas, artistas de circo, gente en pubs. Las obras posteriores rompieron con el punto de vista tradicional de Dresde y se volvieron más coloridas, más ligeras y más animadas. Plenkers, que hacía tiempo que había dejado de ser bohemio, también recibió sugerencias en numerosos viajes. Lo llevaron a Armenia, Georgia, Irak, Estados Unidos, Laponia, China y una y otra vez a lugares junto al mar.

Plenkers intenta evitar cualquier estilo narrativo en su pintura. Al elogiar las cosas simples y eternas del entorno humano, confía en los medios de lo pictórico, acentuados por estructuras gráficas básicas, así como por personajes y códigos. La dimensión de profundidad de las imágenes a menudo se realiza únicamente a través de la llamada perspectiva de color.

Stefan Plenkers sufrió un grave accidente automovilístico en el otoño de 1989, que le obligó a tomarse un largo descanso del trabajo. Luchó con éxito para recuperar sus habilidades motoras y cognitivas. Como resultado, la escritura artística se volvió más diferenciada y la productividad alcanzó un nuevo nivel.

Jeppe Lauge

Jeppe Lauge (nacido en 1980) es un artista danés. Estudió en Dinamarca antes de mudarse a Ámsterdam en 2008 donde hizo bellas artes. En 2019 decidió regresar a Dinamarca después de vivir 11 años en Holanda.


Las pinturas de Jeppe Lauge se construyen a través de varias capas de pintura al óleo sobre lienzo. Los trabajos se realizan en una técnica en la que ensambla múltiples imágenes de la naturaleza y formas y patrones geométricos. En conjunto, esto crea un espacio que luego consiste en un dualismo entre diferentes elementos y formas de expresiones pictóricas. Convirtiendose las imágenes en un espacio psicológico, interpretativo o imaginado, en lugar de representar un escenario real. Pero al mismo tiempo, las pinturas establecen vínculos con las condiciones arquitectónicas, culturales y sociales de la actualidad. Las obras reflejan la forma en que damos forma a nuestro entorno y nos da forma. Las pinturas no solo tratan sobre el cultivo romántico o estético de la grandeza de la naturaleza, sino de una naturaleza intermedia donde el realismo y las abstracciones geométricas se infiltraron para formar una nueva composición.

Consultar: http://www.jeppelauge.com/


Nissan Engel



Nissan Engel nació en Haifa, Israel en 1931 y murió en 2016.

De 1952 a 1955, Engel estudió en el Beaux-Arts Bezalel en Jerusalén, Israel. Luego fue a Francia para estudiar escenografía y vestuario en el Centre Dramatique de l'Est en Estrasburgo. Completó con éxito sus estudios en 1957. Además de la pintura, muchos proyectos de diseño de escenarios y vestuario ahora eran parte de su trabajo. Engel tuvo su primera exposición exitosa en Galerie Weil en 1960.

En 1965, Nissan Engel se mudó a Nueva York, donde se dedicó casi exclusivamente a la pintura. En ese momento, sus pinturas eran muy gráficas y se caracterizaban por el uso audaz de los colores y la vida. Después de diez años en los Estados Unidos, regresa a París, donde ha vivido y trabajado desde entonces.

Su arte es personal y difícilmente puede clasificarse en determinado movimiento. Nissan Engel es reconocido esenciamente por el uso de técnicas mixtas. Pintor, dibujante, grabador, produce también numerosos collages. El propósito final de Nissan Engel es conseguir el equilibrio y la armonía.

Maja Jiranek

 

Maja Jiranek nació en Belgrado, Serbia, en 1959.

Jiranek se graduó en Etnología en la Facultad de Filosofía de la Universidad de Belgrado en 1981. Ella investigó su trabajo sobre los ritos y costumbres saharianos mientras viajaba a la zona. De 1981 a 1984, Jiranek vivió en California y Bagdad, Iraq. El artista vive en Munich desde 1984.

1986–1990 Jiranek realizó estudios sobre diseño artístico, teoría del arte e historia del arte en varias escuelas y artistas de Munich.

Desde 1991 vive y trabaja como artista independiente en Neufahrn y Munich.

Las aventuras de la artista crean espacios de color abstractos en los que incorpora repetidamente piezas de símbolos, personajes y adornos de culturas pasadas y extranjeras y los combina con motivos inspirados en los elementos de la naturaleza.

Le gusta trabajar en símbolos que dan dirección a su trabajo. Esto crea carteras, colecciones de lo que se ha leído, visto y recuerdos tangibles. El trabajo en técnicas mixtas (combinación de diferentes materiales de pintura), en diferentes sustratos de pintura, recibe un nombre que conceptualmente "sostiene" y conecta todo.

Sus imágenes son meditativas, a menudo contienen signos, letras y símbolos que tienen significado para mí en el momento en que se crean. El espectador no se sugiere sugestivamente, debe mantener la libertad de encontrar su significado por sí mismo. El trabajo terminado vive y se comunica.

Michael Goller


Michael Goller nació en Karl-Marx-Stadt en 1974, en su obra no hay principio ni fin. El dibujo se realiza exactamente donde la hoja lo exige. Solo se procesa una pequeña sección. El desarrollo de una hoja se extiende durante días y semanas. El resultado es un detalle como la percepción del espectador de que la imagen se extendería mucho más allá de los bordes de la página. El dibujo es un extracto de un contexto y significado mucho más amplio ... Pero lo que finalmente aparece en la imagen, es decir, lo que nace en la superficie blanca, es misterioso, poético y lleno de belleza en todos los aspectos.
Dr. Benjamin Rux, Lindenau Museum Altenburg, 2019 para la exposición "Dibujos"
El espectador ve instantáneas de un teatro mundial eterno, que admira con asombro, pero no comprende ... En sus obras, el artista reflexiona continuamente sobre los dos medios de la pintura y el dibujo, de una manera sensual, extraordinariamente vívida. Si se asignan superficies, colores, degradados y estilos de pincel a la pintura, entonces el dibujo representa líneas y líneas, contrastes en blanco y negro y escritura a mano. Goller reúne todos estos elementos. Pero él no mezcla los niveles, pero siempre se da cuenta a sí mismo y al espectador de que alterna entre "pictóricamente" y "gráfico" y que estos niveles funcionan independientemente uno del otro.
Dr. Jutta Moster-Hoos, Museo Horst Janssen Oldenburg, 2016 Catálogo de la exposición "Monocromo"
Esto muestra una comprensión de la imagen que apenas está cubierta por las "ciencias de la imagen" semióticas que circulan actualmente ... Si lee imágenes solo como "comunicación visual", difícilmente podrá obtener algo del arte de Michael Goller y pasar por alto el hecho de que, a pesar del La concentración en medios de expresión aparentemente tradicionales - contiene un potencial muy actual, es decir, una contrapropuesta para la comprensión de imágenes que solo está orientada hacia medios técnicos.
A Goller no le preocupa la representación concreta de un objeto, sino la apertura de un espacio mental.

Las formas figurativas individuales se indican en varios niveles entrelazados y entrelazados. La "ventana panorámica" rectangular se destaca con calma y claridad en el centro. Superpone una superficie multicolor desarrollada expresamente de líneas abstractas de fuerza y ​​áreas de color estructuradas diferenciadas. La cabeza y la parte superior del cuerpo de una silueta humana se destacan vagamente en el fondo.

Los pensamientos vagan y el ojo recibe una ronda de intensas impresiones. Las formas simbólicas en blanco y negro contrastan deliciosamente con los colores brillantes. El título de la obra está tallado en letras de runas a la derecha.
Una imagen expresiva que despierta la curiosidad de cada espectador.

En línea con los ciclos creativos personales de 9 años del artista, subastaremos en 2020 una vez y solo obras de arte individuales y seleccionadas de los años 2002 y 2011.


Goller desarrolló una pintura gestual e inmediata que se complementa con perspectivas esquemáticas. Las composiciones líricas son en parte intensas y al mismo tiempo colorantes equilibradas. En muchas imágenes, usa su propia fuente, que tiene un efecto de runa. Las imágenes de Goller consisten en capas anidadas de elementos gestuales y gráficos. El acceso a sus imágenes es una "oscilación óptica en la frecuencia de resonancia de la imagen". Trabaja en imágenes individuales hasta por un año, "deja que la pintura se encrespe a tiempo", lo que no entra en conflicto con los gestos intuitivos.

En 2003, Michael Goller fue cofundador del grupo de artistas querlag y junto con Peter Piek, la iniciativa del artista Malfront (2003-2007). Después de exposiciones individuales y colectivas en Alemania y Europa, ya ha obtenido el reconocimiento inicial.

Lambert Maria Wintersberger



Lambert Maria Wintersberger vino originalmente del sur de Alemania. Nació en Munich en 1941.
El pintor Lambert Maria Wintersberger murió a la edad de 72 años en su ciudad natal de Alsacia, Walbourg. Comenzó su carrera artística en 1958 como decorador, pintor de iglesias y vidrios y artista de mosaicos. En 1959 comenzó a estudiar en la Academia de Munich como estudiante de Blasius Spreng. En 1961 se mudó a Florencia y tomó cursos en la Accademia di Belle Arti. Estudió a los maestros de la pintura italiana y viajó por la campiña toscana. En 1964 Wintersberger se mudó de Italia para vivir en Berlín y trabajó como artista independiente.

Junto con otros artistas, fundó la galería de autoayuda de artistas de Berlín en una antigua fábrica en Berlín-Schöneberg, llamada así por la dirección Großgörschenstraße 35. El grupo Großgörschen 35 existió desde 1964 hasta 1968. La obra del artista Wintersberger fue galardonada en 1968 con el Premio Burda de la Ciudad de Munich. honrado En 1969 dejó Berlín y se mudó a Stuttgart. Al año siguiente recibió el premio de pintura en la 6ª Bienal de la Juventud en París y se mudó a Colonia. Pero no mucho después se mudó: de 1971 a 1972 continuó su trabajo en los Estados Unidos. De 1974 a 1977 regresó a Alemania y ocupó un puesto de profesor en la academia de arte de Düsseldorf. De 1980 a 1985 regresó a Stuttgart y finalmente a Walbourg en Alsacia, donde se estableció a largo plazo. En 1992 fue el ganador del Centre Européen d’Actions Artistique Contemporaines en Estrasburgo.

Lambert Maria Wintersberger vivió y trabajó en Walbourg (Francia) hasta su muerte en 2013 en una antigua estación de tren, que había convertido en residencia y estudio en 1985.

Christian Herzig

 

Christian Herzig nació en Bad Salzungen en el oeste de Turingia, Alemania en 1975.
Herzig estudió en la Academia de Artes Visuales de Leipzig de 2002 a 2009. En el año 2005 asistió a la clase especializada del Prof. Neo Rauch.
Leipzig se inspira en la naturaleza y en los grandes maestros de la historia del arte reciente. Transforma estas impresiones en composiciones sensibles al color, en parte eliminadas del contexto y el objeto, que afirman su propia realidad.
Las obras del pintor ya se han mostrado varias veces en exposiciones de galerías de renombre en Frankfurt a. M., Halle, Leipzig y Hamburgo. El artista vive y trabaja en Leipzig.

Heiner Meyer

Heiner Meyer  Nacido el 9 de octubre de 1953 en Bielefeld Alemania, es un artista alemán contemporáneo reconocido por sus esculturas y pinturas perteneciente al movimiento Pop Art que emulan la belleza femenina y la cultura de lujo. 

Empleando los colores brillantes de la publicidad y un irónico sentido del humor, su trabajo satiriza estos temas a través de yuxtaposiciones de celebridades femeninas, como Paris Hilton, contra personajes de dibujos animados, como Scrooge McDuck. 

Heiner Meyer pasó a trabajar como asistente de estudio de Salvador Dalí en Cadaqués, España, antes de estudiar en la Universidad de Bellas Artes de Braunschweig. 

Sus obras están en las colecciones de la Fundació Miró en Barcelona y el Museo de Arte Contemporáneo de Miami, entre otros. Vive y trabaja en Bielefeld, Alemania donde nació.


Walter Wohlschlegel

Firma:


Nace el 8 de junio de 1907 en Tumringen , fallece en 1999 en Friburgo ) pintor alemán. Después de una fase temprana expresiva y abstracta, su trabajo se basó en el arte del Informel alemán.
El Informel para abreviar es un término usado para los estilos de arte abstracto (en el sentido de no geométrico, no representativo)  

Sus primeros trabajos se caracterizaron por la figuración académica y la figuración con ligeras tendencias expresivas que se disolvieron en linóleo expresionista después de la guerra. En la década de 1960, el artista recurrió por completo al Informel , pero a menudo añadió arena de aspecto plástico y bases en forma de espátula a sus imágenes.

En la década de los 70, la pintura de Wohlschlegel se volvió cada vez más plana. Sus colores expresivos contrastan con formas y contrastes de bordes afilados. Sin embargo, esta fase de su trabajo solo duró poco tiempo. Ya a fines de la década de 1970, Wohlschlegel entró en lo opuesto a su estilo anterior: el artista utilizó una paleta de colores pastel más suave y borró las formas en el fondo. La pintura de Wohlschlegel se basó en temas pictóricos surrealistas y volvió más a la pintura figurativa.

Este estilo fue aún más pronunciado en su obra tardía. En la década de los 90, Wohlschlegel pintó emocionalmente con pinceladas gestuales y gradientes de color en forma de gota que ocasionalmente recuerdan el expresionismo abstracto . Los colores expresivos están una vez más en el primer plano del artista.

Premios:
1977 Precio del Börsenverein des Deutschen Buchhandels eV, Frankfurt am Main

Julio Saldaña Manero



Artista expresionista nacido en Burgos y quereside en Asturias cuyas pinturas son fácilmente reconocibles por el estallido de color de sus cuadros, su movimiento y sus texturas muy trabajadas.

Las propuestas de Saldaña son variadas y van desde paisajes naturales a rincones urbanos o niños jugando en el parque dando lugar a estampas vivas y llenas de emociones.

Julio Saldaña es un pintor valiente que plasma en sus cuadros una realidad, unos paisajes que, en su paleta, se hacen casi abstractos.

Estudió dibujo y pintura en la Escuela de Arte de Oviedo, y trabaja como diseñador gráfico. Lleva exponiendo desde 1985 y ha llevado su arte por todo el país.

premios:
Tercer Premio Concurso de Pintura del Colegio Oficial de Médicos de Asturias, 1996.
Primer Premio Concurso Nacional de Carteles “Fiestas de Santa Ana” 1997 de Utebo. Zaragoza.
Tercer Premio IV Concurso de Dibujo y Pintura “San Miguel” 1998 de Castiello Bernueces, Asturias.
Primer Premio Concurso de Carteles “Fiestas de San Juan” 1998 de Mieres, Asturias.
Primer Premio Concurso de Carteles "Fiesta del Pastor. Vega de Enol 2001".Cangas de Onís, Asturias.
Primer Premio Concurso de Carteles "Fiestas del Santísimo Cristo de Candás" 2001, Asturias.
Accésit Concurso de Pintura 2º Memorial "Corsino Suárez" 2001, Noreña, Asturias.
Finalista Concurso de Carteles "San Fermín 2002". Pamplona.
Obra Premiada "Mariano Lavedán 2003" Concurso Nacional de Pintura de Monzón, Huesca.
Primer Premio XIII Concurso de Pintura "Paisaje y Personajes de Valdescorriel" 2003, Zamora.
Premio "Aula de Paz de las Artes 2006". Mieres (UNESCO)
Segundo Premio III Concurso de Pintura "Valdesoto 2007". Asturias.
Tercer Premio IX Concurso Nacional de Pintura "San Andrés del Rabanedo 2007". León.
Primer Premio Concurso Nacional de Carteles "Fiestas Ntra. Sra. del Villar" 2009, Laguna de Duero. Valladolid.

WEB:  http://www.juliosm.com/

www.Alyves.com