martes, 24 de enero de 2017

Vik Muniz




Vicente José de Oliveira Muniz, conocido como Vik Muniz (São Paulo, Brasil, 1961), es un artista visual que vive en Nueva York. Muniz comenzó su carrera como escultor en la década de 1980. Muniz fue más conocido en 1997 por sus retratos de la serie Chocolate y en 2006 los retratos con desperdicios.

En 2010, el documental Waste Land, dirigido por Lucy Walker, contó con el trabajo de Muniz en uno de los vertederos de basura más grandes del mundo, Jardim Gramacho, en las afueras de Río de Janeiro. La película fue nominada para el Oscar a la Mejor Película Documental en los Premios de la Academia 83.1

Vik Muniz a menudo se apropia de las imágenes que sirven como base para sus obras de arte con obras de otros artistas de renombre. Por ejemplo, Muniz utiliza la jalea y mantequilla de maní en la creación de la obra Doble Mona Lisa, después de Warhol, de 1999, sobre la base de una impresión de pantalla de 1963 por el artista pop Andy Warhol y que, a su vez, era una apropiación de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. En 1982 dio por terminada sus obras realizadas con pequeños trozos de papel creando una ilusión óptica en el espectador.




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miércoles, 11 de enero de 2017

Waldo Díaz-Balart




Waldo Díaz-Balart, pintor y personalidad destacada del Movimiento de Arte Concreto, nació en el pequeño poblado de Banes, en Holguín, Cuba, un 10 de febrero de 1931, y realizó estudios de arte en el Museum of Modern Art de Nueva York, 1959-1962.

Mientras que en 1967 ejerció como profesor de Arte en Southampton University, Southampton, Nueva York, y se ha destacado además como conferencista y panelista en diversos centros culturales y universitarios de Estados Unidos, Polonia, España, Alemania y Holanda.

Ha realizado exposiciones personales en diversas galerías del mundo, como en Studio Gallery, Washington, D.C, 1966, Galerie Iris Clert, París, 1967, y la muestra Waldo Balart. Black Painting, en la Galería Edurne, en Madrid, 1998, entre otras.

Por otro lado, obras suyas han sido exhibidas en Gallery of Modern Art, Nueva York; en Pan American Union, Washington, D.C y en la International Art Fair, en Colonia, Alemania, así como en la Mondriaanhuis de Holanda, en 2002, y en FIU de Miami también en 2002.

Entre los galardones que ha merecido la obra de este pintor se encuentran el Cintas Foundation Fellowship, Nueva York; el Premio de Selección. Colección Arte y Trabajo, Ministerio de Trabajo y Seguridad Social, Madrid, y el Pollock Krasner Foundation Fellowship, Estados Unidos.

El artista mantiene obras en colección dentro de los siguientes museos del mundo: Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Museo de Arte Contemporáneo, Asunción, Paraguay; Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid, España, y el Museum of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos.

Con motivo de que el Museo Cubano, con sede en Miami, se encuentra a la búsqueda desesperada de financiamiento, por vía privada o pública, para la preservación y promoción del arte y los artistas cubanos en el exilio.

El arte en Cuba siempre se caracterizó por su internacionalidad. Tenemos que ser concientes de que Cuba siempre fue el centro de una red internacional que comenzó cuando éramos colonia de España y en el puerto de La Habana se reunía la flota de toda Latinoamérica que partía de allí a la metrópoli para protegerse de los ataques de los piratas. Eso determinó, en cierto sentido, esas características de La Habana que se configuró siempre como una de las ciudades más importantes de Latinoamérica, al nivel de Buenos Aires o Ciudad México y naturalmente el arte que es un signo de la cultura, ha reflejado siempre ese hecho.

www.waldobalart.com/


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lunes, 9 de enero de 2017

Juan Pablo Inzirillo

JUAN PABLO INZIRILLO Argentina, 1986



Las pinturas de Juan Pablo Inzirillo son una colisión entre lo real y lo fantástico. Si hay dudas, basta con preguntar a los dos luchadores de sumo que combaten en una arena delimitada por unos monos que juegan a la ronda. La vida de este artista argentino transcurre en colores que transforman lo imposible en lo cotidiano para hablarnos de la locura del mundo globalizado.
Pop , expresionista y simbolista: así define su arte Juan Pablo Inzirillo, quien mira alrededor para crear mundos imposibles. La televisión y el cine son referencias constantes en sus cuadros, pero también observa cuidadosamente lo que sucede en el arte contemporáneo mundial.
El arte latinoamericano actual es muy bueno. En lugares como São Paulo o Centroamérica el arte se hace con una fuerza que en Europa desapareció después de las vanguardias del siglo XX. Los artistas de Latinoamérica tienen habilidad técnica y pintan con una potencia visceral
Su lista de influencias es inagotable y diversa. En ella se incluyen nombres como Jean-Michel Basquiat, Georg Baselitz, Diane Arbus, Damien Hirst, Eric Staton, Charles Sandison, Eugenio Dittborn, Jorge Macchi, Christopher Wool y Jacob Kassay
Para realizar sus pinturas, Inzirillo mezcla el óleo con el esmalte sintético, el polietileno y el aerosol. “Son materiales que representan ambientes urbanos”, detalla el artista visual
Juan Pablo pasa gran parte de sus días en su taller; sin embargo, no siempre tiene una brocha en la mano. Para él, el acto de pintar consiste primordialmente en pensar las imágenes.
A finales del 2007, con 20 años, Inzirillo se fue de viaje a Europa para apreciar las grandes obras del arte. Visitó Francia, Italia y España. En París estudió junto al argentino Edgar Saillen.

Las obras de Juan Pablo Inzirillo se han expuesto en galerías de Buenos Aires y Mendoza. También se han ofrecido en Washington, Nueva York y París gracias a la beca About Change , que el Banco Mundial le otorgó en el 2011.
El imaginario visual que nos ofrece Juan Pablo Inzirillo está compuesto por personajes que circulan entre escenas de la vida cotidiana y las imposibilidades de un mundo fantástico.

Biografía

Nació en Mendoza, Argentina. Su primer maestro: Sergio Roggerone. De él tomó la minuciosidad del detalle, la ductilidad del óleo y la precisión de la línea. Luego: París. Allí Edgar Saillen lo motivó a deconstruir la figura y a buscar una impronta, una identidad artística. De Europa a Buenos Aires: desembarcó en la galería Masottatorres arte contemporáneo, con quien trabajó 5 años. Participó en arteBA 2009 (artista joven más vendido) y 2011. Antes, en el 2010, tuvo una muestra individual en la sala 6 del CCR (Centro Cultural Recoleta). En el 2011 gana la beca “About change” del FMI y su obra viaja a Nueva York, París y Washington. En 2013 inaugura “Teaser”, una muestra donde experimenta nuevas formas de expresión mas allá de la pintura; incorpora instalaciones, nuevos materiales, videoarte y una estética urbana y quirúrgica que reflexiona sobre la historia humana, desde el origen de los tiempos, pasando por la cultura y la industria, hacia la posibilidad de un futuro suprahumano. El uso del pigmento en polvo sobre distintos soportes (vidrios, acrílicos, plásticos, telas) y la monocromía en estado puro caracteriza su trabajo dotando sus obras de un aire frío y silencioso, sugerente desde su sutileza. Tiene su espacio de trabajo y experimentación en Zafarrancho Studio.
Exhibiciones individuales
2014 - “El tiempo de los tigres alados”, muestra individual, en Aldo de Sousa Gallery, Buenos Aires. 2014
2013 - “Teaser”, muestra individual, en Zafarrancho, Buenos Aires.
- “Equilátero”, muestra colectiva, en Equilátero Arte Contemporáneo, Costa Rica. 2014
2011 - “La Marcha de las Alergias”, muestra individual, en Espacio de Arte Diagonal, Mendoza. 2011
2010 - “Trash líquido como Susy Combustión”, muestra individual, Centro Cultural Recoleta, sala 6, Buenos Aires.
2009 - “Zoomlógico”, muestra individual, Masottatorres Arte Contemporáneo, Buenos Aires. 2009
2008 - “Ballet para Catalina”, muestra colectiva, en Alianza Francesa, Mendoza. 2006
Exhibiciones colectivas
2014 - TRIP, proyecto expositivo site specific con Catalina Mantovani, en Zafarrancho, Buenos Aires.
- Zafarrancho Studio Nº1, en Zafarrancho, Buenos Aires.
- Exhibición colectiva, en Aldo de Sousa Gallery, Buenos Aires.
- Panal abierto, en Panal 361, Buenos Aires.
- Estudios abiertos, en La ira de Dios, Buenos Aires. (artista invitado)
2013 - Equilátero, en Equilátero Arte Contemporáneo, San José de Costa Rica.
- Zafarrancho, en Zafarrancho, Buenos Aires.
2010 - Multifoco 200, en Masottatorres Arte Contemporáneo, Buenos Aires.
2009/2011 - Murales Efímeros, proyecto site specific, en E.C.A, Mendoza.
2009 - Carne Picada, en Masottatorres Arte Contemporáneo, Buenos Aires.
2008 - Diverso, en Masottatorres Arte Contemporáneo, Buenos Aires.
Becas y Premios
2015 - Beca programa anual PAC (Prácticas Artísticas Contemporáneas). Clínica de obra con Rodrigo
Alonso, Rafael, Cippolini, Valeria González, Eduardo Stupía y Andrés Waissman
2013 - Premio CFI, seleccionado para exposición, Buenos Aires.
2011 - Salón Vendimia, seleccionado para exposición, Mendoza.
2010 - Beca “About Change” otorgada por el Banco Mundial, Washington D.C, Paris y Nueva York.
2009 - Participación “Calendario Arte Argentino Contemporáneo” Civale+Bassi Ediciones.
2008 - Mención en “Bienal Salón Vendimia”.
Trabajos
2015 - Asistente de Nicola Costantino, Buenos Aires.
2014 - Asistente de Cai Guo - Qiang, proyecto “IMPROMPTU“, PROA, Buenos Aires.
- Asistente de Miguel Harte, Buenos Aires.
- Montajista en Galería Rubbers, Buenos Aires.
- Trabajo en conjunto para la producción de obra del artista Alexis Minkiewicz.
2006/2008 - Asistente de Sergio Roggerone, Mendoza.
*Tiene su estudio de trabajo en PANAL 361.
Ferias
2014 - PARC, Perú Arte Contemporáneo, Aldo de Sousa Gallery, Lima, Perú
- Ch.ACO, Chile Arte Contemporáneo, Aldo de Sousa Gallery, Santiago, Chile.
2009/2011 - ArteBA, Masottatorres Arte Contemporáneo, Buenos Aires.




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jueves, 5 de enero de 2017

Jorge Edgardo Lezama

JORGE LEZAMA




Argentina, (1921 - 2011)

Su formación incluye el paso por los talleres de Emilio Centurión y Adolfo De Ferrari en pintura, y los de Bigatti, Guido, Spilimbergo y Curatella Manes en mural. Realiza cursos de diseño industrial y gráfico, a los que dedicará buen parte de su trayectoria. Durante los años 50, en consonancia con el repertorio visual que caracterizaba la escena artística nacional, se vuelca definitivamente a la abstracción geométrica. Participa en salones nacionales y provinciales y expone en las galerías Galatea, Corot, Hampton, Van Riel, Marienbad, Arte Nuevo y Müller, entre otras. Integra la Asociación Arte Nuevo, fundada por Aldo Pellegrini con el fin de reunir a todos los artistas “no representativos”, entre los que se hallan Arden Quin, Melé, Tomasello, Silva y, más tarde, Kemble, Polesello, Paternosto y otros. Hacia fines de la década, sus pinturas tienden hacia la búsqueda de efectos perceptivos inestables, con grandes ritmos lineales o con estructuras periódicas con interrupciones y superposiciones de formas simples. En 1960 forma parte de la Exposición internacional de arte moderno (Museo de Arte Moderno) y en 150 Años de arte argentino (Museo Nacional de Bellas Artes), y es seleccionado para el Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano. En 1963 y 1967 es invitado a participar del Premio Braque. 

Luego integra la exposición Más allá de la geometría en el Instituto Di Tella. Forma parte de la muestra colectiva itinerante Espacio y vibración 1969, organizada por Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto. Durante los 70 se vincula a la nueva producción industrila, lo que lo lleva a trabajar con el acrílico como material predominante. En 1971 interviene en la exposición Panorama de experiencias visuales argentinas de la Fundación Lorenzutti, y al año siguiente es distinguido con el segundo premio del salón organizado por Acrílicos Paolini. Por esos años también participa del CAYC y de la Asociación Internacional de Artes Plásticas (AIAP). Expuso en Europa y Latinoamérica. Se destaca su labor como docente; ejerció en importantes universidades nacionales y escuelas de arte y fue rector de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, entre otros cargos. En sus últimos años realizó un revisionismo de su obra, pasando de la abstracción a la figuración, constantemente en busca de nuevas imágenes.

Obtuvo Premios, Menciones y actuó como jurado en distintos salones y concursos. Su obra se encuentra en diversos países de Latinoamérica y Europa. Expuso en Montevideo, San Pablo, Panamá, Lima, La Paz, Madrid, Barcelona, Ibiza, París, Milan, Roma, Stuttgart. Escribieron sobre su obra: Cayetano Córdova Iturburu, Aldo Pellegrini, Giulio Carlo Argan, Jorge Romero Brest, Jorge Lopez Anaya, Guillermo Withelow, Fermín Febré, Rosa Faccaro, María Laura San Martín, Carlos Areán, Horacio Safons y otros.

Como Docente ejerció en las más Importantes escuelas y universidades de arte del país: Co-fundador de la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro de Mar del Plata. Universidad de Buenos Aires. Universidad Nacional de Mar del Plata. Universidad Católica de Mar del Plata. Universidad de Oberá, Misiones. Universidad de Luján. Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Fue Rector de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Inspector de Enseñanza Artística de la Provincia De Buenos Aires, Director de Enseñanza Artística de la Provincia de Buenos Aires, Asesor de DINADEA. Dictó cursos y conferencias en el Ministerio de Educación (Nacional y Provincial).




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miércoles, 4 de enero de 2017

David Choe




La vida de David Choe, David Choe es un artista de 38 años nacido en EEUU de ascendencia coreana, no ha sido fácil: creció en un barrio oriental de Los Ángeles fascinado en superhéroes, como muchos chavales de su edad. En su adolescencia se vio involucrado en numerosos delitos durante su periplo por Estados Unidos, Europa del Este e incluso África. A pesar de que estuvo a punto de descarrilar (llegó incluso a pasar por la cárcel), todo cambió cuando con 21 años volvió a Los Ángeles y se apuntó a la Escuela de Arte de California, donde comenzó a dar rienda suelta a su vocación.


amasa una fortuna valorada en más de 200 millones de dólares gracias a "una idea rídicula y sin sentido".  es que Choe consideraba "ridícula y sin sentido" la oferta que Sean Parker le hizo en 2005: decorar con sus grafitis la sede de una pequeña start-up de Menlo Park a cambio de puñado de acciones de la compañía. Aunque al principio el artista fue reacio, finalmente aceptó y se convirtió en "el mejor negocio de su vida", según reconoció en una entrevista.

Con el paso de los años, ese pequeño paquete de acciones se convirtieron con la salida a bolsa de la compañía en más de 200 millones de dólares, superando así el récord del mundo que ostentaba al artista británico Damien Hirst con un mural subastado en Sotheby's por 152 millones de dólares.

"Era muy feliz con la vida que llevaba y vivo en la misma casa", sin embargo, Choe sí que explica que el dinero de Facebook le ha permitido comprar cosas que le hacen tener lo que más valora: el tiempo. Dedica parte de su dinero a viajar en jets privados y mejorar los trabajos que hace gracias a tecnología punta, habiendo entrado en la composición de música o vídeos.

Entre sus trabajos que más eco han tenido han sido las pinturas que ha realizado para personalidades como Jay-Z, Linkin Park o incluso el presidente de EEUU Barack Obama, para el que trabajó durante la campaña de 2008 y que ha comentado que tiene un retrato suyo dibujado por el artista en su despacho.

Con el paso de los años Choe ha ido frenando la intensidad en su nivel de vida, y es que además de sus pinturas el artista ha sido siempre conocido por sus escándalos públicos.

Además de haber sido detenido en varias ocasiones por asaltos violentos o escándalos públicos, la vida de Choe ha sido especialmente intensa fruto de sus excesos, tanto, que llegó a darle una angina de pecho en un casino de Las Vegas donde iba a jugar con "fundas de almohadas llenas de millones de dólares", se alojaba en áticos que eran "harenes de prostitutas" y en la que la droga era un elemento común.

David explicaba a Las Vegas Review Journal que la angina de pecho le llegó un día que llevaba cinco días sin dormir, cuando sintió que sus sentidos le fallaban, se desplomó al suelo y tenía 20.000 dólares en fichas cayéndose de sus bolsillos, desde entonces ha dejado el juego.

Ahora, el artista lleva una vida más tranquila estando más tiempo en su casa donde se centra en el desarrollo de sus proyectos artísticos que además de la pintura engloban, vídeos, libros e incluso un podcast con la actriz porno Asa Akira.


martes, 3 de enero de 2017

Luis Vassallo

Luis Vassallo (1981 Madrid) 




Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid
Diplomado en Diseño Gráfico y Comunicación por el Instituto Europeo de Diseño 
Estudia en la HfBK de Hamburgo gracias a una beca Socrates-Erasmus (2006)

La obra de Luis Vassallo está llena de formas reconocibles que se repiten ligeramente transformadas en cada cuadro.A Vassallo le gusta citar, le interesa el lugar donde el pasado y el presente se interceptan. El enfrentamiento entre dibujo y color, abstracción y figuración o la búsqueda de conceptos opuestos en la mecánica interior de cada obra no es aquí lo esencial. Se trata más bien de propiciar un caos fértil nacido del encuentro entre la erudición y la intuición

Vassallo tiene su estudio en Madrid, en la zona de Noviciado. Este es también su vivienda.


Exposiciones individuales 

2015 
– Fauna, Espacio Valverde, Madrid

2013 
– Polar, Espacio Valverde, Madrid

2012
– Máscaras y otras pancartas, Festival ECO, Matadero, Madrid

2010
– Óleos, acuarelas y plumillas, Sala Deus Máquina, Madrid. 
– Recuerdo, Galería Carmen de la Guerra, Madrid. 

2009 
– Lines off lines, Festival FEM Artendencias 09, Madrid 
– Silver, Festival Internacional de Artes Visuales Artendencias, Madrid

Colecciones 

– Museo Postal (Colección Correos)
– Obra en diferentes colecciones privadas

Estudios académicos 

– Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense Madrid
– Becado por un año en la escuela HfbK, Hochschule für bildende und Kunste, Hamburgo 
– Diplomado en Diseño Gráfico por el IED, Instituto Europeo di Design 
– Curso Ilustration Design realizado en Saint Martin's School, Londres 
– Curso Magazine and Editorial Design realizado en Saint Martin's School, Londres 
– Becado en el curso de verano en la Universidad de Alcalá: Periferia Señalética de una ciudad 
– Taller de fotografía: Aprendiendo a mirar impartido por Luis Pérez-Mínguez


Colaboraciones 

– En la actualidad trabaja dentro del estudio Tres Tipos Gráficos 
– Como diseñador gráfico e ilustrador ha desarrollado su carrera como freelance y en los siguientes estudios: 

        • Oscar Mariné (Premio nacional de diseño 2010) 
        • Alif Brand 
        • TAU diseño 
        • Casahueca (Luis Sardá)




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viernes, 30 de diciembre de 2016

Sarah Grilo



Sarah Grilo nació en 1919 en Buenos Aires, ciudad donde realizó sus primeros estudios de pintura con el pintor español Vicente Puig. Vivió en Francia e Inglaterra y, tras obtener la beca J.S. Guggenheim Foundation en 1962, se mudó a Nueva York. En 1970 se trasladó a España, donde vivió hasta su muerte en 2007.

En 1952 formó el Grupo de Artistas Modernos junto a Tomás Maldonado, Enio Iommi, José Antonio Fernández Muro, Lidy Prati, entre otros. El grupo realizó exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y en el Stedelijk de Amsterdam antes de su disolución en 1957.

Expuso individual y colectivamente en innumerables galerías, museos e instituciones en Estados Unidos, Europa y América del Sur, entre otros: Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (MNBA); Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami; Museo de Arte Stedelijk Museum, Amsterdam; Museo de Bellas Artes, Caracas; Instituto de Arte Contemporáneo, Lima; Museo de Arte Contemporáneo de América Latina, Washington DC; The Nelson Rockefeller Collection, Nueva York; University of Texas Art Museum; Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

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jueves, 29 de diciembre de 2016

Jorge González Camarena


Firma:


(Guadalajara, Jalisco, 24 de marzo de 1908 - Ciudad de México, 24 de mayo de 1980) fue un pintor, escultor y muralista mexicano.

En 1918 se trasladó a Ciudad de México, donde ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos en 1922. Al finalizar sus estudios tuvo sus primeras incursiones en el mundo artístico por medio de la publicidad.
Sus padres fueron Arturo Jorge González (1874-1923) y Sara Camarena Navarro (1883-1952); su abuelo materno fue el Lic. Jesús Leandro Camarena (1832-1889),1 distinguido abogado del Foro Jalisciense y Gobernador Constritucional del Estado de Jalisco (1875-1876 y 1877-1879). Tuvo siete hermanos, entre ellos Guillermo inventor de la televisión en color.

De niño tallaba guijarros, hacía cerámica en un horno construido por él mismo y elaboraba tiras cómicas protagonizadas por personajes de su invención, los Chiquinitos, las cuales vendía a sus compañeros de la escuela. Cuando su familia se mudó a la ciudad de México, el maestro de primaria Francisco Zenteno le recomendó ingresar a la Academia de San Carlos. A los 14 años, González Camarena comenzó a asistir a ésta, donde pronto se convirtió en ayudante de Gerardo Murillo, Dr. Atl.

Participó activamente en el movimiento estudiantil para llevar a Diego Rivera a la dirección de San Carlos e integró el consejo de maestros y alumnos destinado a formar un plan de estudios más avanzado.


Mural en Bellas Artes.
En 1932 se le comisionó para restaurar los frescos del siglo XVI del convento de Huejotzingo, Puebla. A raíz de ello publicó un estudio en la revista Futuro, descubriendo que en aquellos muros trabajó el último pintor azteca Marcos Cipactli, quien, de acuerdo con González Camarena, también pintó el lienzo original de la Virgen de Guadalupe.3 El pintor se integró a un cuarteto de música prehispánica en el pueblo de Huejotzingo, tocando la chirimía.

En 1934 casó en la Ciudad de México con Jeannie Marcela Barré de Saint Leu (hija de Marcel Barré de Saint Leu y de Natalia Gorosave), de quien tuvo sucesión.

En 1939, pintó su primer mural, Alegoría de Zimapán, en el hotel Fundición, de Zimapán, Hidalgo.

En 1941 realiza su segundo mural, Díptico de la Vida, en el edificio Guardiola, el cual creó gran polémica en la época. En defensa de la obra, recuerda Marcel, “Salvador Novo comentó ‘no es si son morales o inmorales, sino si son murales o inmurales’. Finalmente, el temblor de 1957 le causó pequeñas grietas al edificio, pretexto suficiente para que las autoridades decidieran destruir la obra”.

Gracias a sus obras: Historia de México de 1955 para la Biblioteca del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey y Liberación de 1959 en el Palacio de Bellas Artes. A finales de 1950, Jorge González Camarena junto con Juan O'Gorman (pertenecientes a la llamada segunda generación de muralistas, nacidos entre 1904 y 1926) fueron invitados por el entonces director del Museo Nacional de Historia, Antonio Arriaga Ochoa, para retratar los muros de El Castillo de Chapultepec. Donde realizó una de sus obras más reconocidas e influyentes en las generaciones mexicanas; La Conquista, develada en la sala 2 en septiembre de 1960.

En la Universidad de Concepción, en Chile, está Presencia de América Latina, obra hecha en 300 metros cuadrados y que se reprodujo en una estampilla postal que conmemoró el 75 aniversario de esa casa de estudios.

En 1978, dos años antes de morir, pinta su último mural: Trilogía de Saltillo, en el cubo de la escalera principal del edificio de la Presidencia Municipal de Saltillo, Coahuila.

Militó por la salvación del fuerte de San Juan de Ulúa, en Veracruz, cuando, en 1953, pretendían destruirlo para construir en su lugar unas bodegas y un muelle. Para ello fundó el Comité Pro Defensa y Restauración del Castillo de San Juan de Ulúa.

A partir del 23 de junio de 1966, fue miembro titular del Seminario de Cultura Mexicana.

Gracias a un concurso, realizó la representación pictórica del retrato escultórico de Michelangelo Buonarroti[, obra que se encuentra en la casa natal del artista italiano en Caprese. Por este retrato, el gobierno de Italia le otorgó al pintor mexicano la condecoración al Mérito en Grado de Commendatore della Republica. En 1970 obtuvo el Premio Nacional de Artes.

A finales de la década de 1970, el gobierno de México le encargó a González Camarena un obsequio para el pueblo búlgaro, el San Jorge. El maestro fue invitado a Bulgaria a develar el cuadro, y las autoridades de ese país, encantadas con el cuadro, le ofrecieron realizar una exposición itinerante que recorrería varios países durante un año, comenzando por su capital Sofía, y concluyendo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Murió el 24 de mayo de 1980 debido a un derrame cerebral. Fue velado en el Palacio de Bellas Artes, donde se le rindió un homenaje nacional de cuerpo presente. Sus restos reposan en la cripta familiar en el panteón de Dolores.

En 1996 se celebró en el Palacio de Bellas Artes una exhibición-homenaje en memoria de su XVI aniversario luctuoso; el catálogo respectivo reúne textos de Rafael Tovar y de Teresa (entonces Presidente del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes), Gerardo Estrada (entonces Director General del Instituto Nacional de Bellas Artes), Agustín Arteaga (entonces Director del Museo del Palacio de Bellas Artes), Elisa García Barragán, y María Teresa Favela Fierro
González Camarena elaboraba sus pinturas con pigmentos naturales, inspirado en las técnicas de los tlacuilos. Realizaba además investigaciones sobre arte prehispánico y popular, así como sobre el pensamiento mágico y las tradiciones de los antiguos mexicanos, elementos que le sirvieron para desarrollar su estilo.

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miércoles, 28 de diciembre de 2016

Javier Villamizar



Javier Villamizar es un pintor y escultor colombiano nacido en Bucaramanga ( Santander ), cada una de sus obras expresan un viaje y una vivencia especifica del artista, sus piezas son abstracciones en su gran mayoría de paisajes de diferentes partes del mundo , sus estudios como geólogo y la gran sensibilidad desde muy pequeño por el arte hace de Javier un ser que mas que pintar una obra por ser estético cuente una historia a través de cada una de sus piezas hace vibrar al espectador y transportarlo a su mundo  un  mundo orgánico,colorido y lleno de vida.

En contacto, desde muy temprana edad, con las artes plasticas, gracias a la profesión de familia dedicada en gran parte a la pintura y escultura, ha sido influenciado por técnicas y estilos heredados y aprendidos. Este artista siente una marcada preferencia por la pintura moderna abstracta, con una paleta muy variada; a veces, sus obras se embelezan con la sutilieza de los tonos pastel y otras se inmersan en los colores cálidos, fuertes, siempre con una tendencia hacia el paisaje abstracto, expresionista. 

Es un pintor artístico aficionado con cualidades de un verdadero maestro profesional del arte.
Este artista siente una marcada preferencia por la pintura moderna abstracta; a veces sus obras se embelesan con la sutileza de los tonos pastel y otra se inmersa en los colores cálidos, fuertes, siempre con una tendencia hacia el paisaje abstracto, expresionista.



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martes, 27 de diciembre de 2016

Abigail Lazkoz

Biografia:


Abigail Lazkoz, born in Bilbao, Spain, 1972.
Abigail Lazkoz (Bilbao, 16 de agosto de 1972) es una artista vasca. Inició sus estudios de Bellas Artes en la Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibersitatea (UPV/EHU). Finalmente se licenció con la especialidad de pintura y pudo estudiar en la Winchester School of Arts en el Reino Unido con una beca Erasmus. Seguidamente cursará los cursos del Doctorado del Departamento de Pintura de la UPV / EHU hasta el año 1996.1

Su primera exposición individual fue Fan Club Collection 1: Sam Sheppard (1998) en el Arriola Kultur Aretoa ( AKA ) de Elorrio, Bizkaia. A continuación participó en la XVI Muestra de Arte Joven organizada por el Instituto Nacional de la Juventud ( Injuve ), Madrid. En 2003 recibe la Beca Endesa para Artes Plásticas. Publica también en ese mismo año una recopilación de dibujos llamados Todo preocupa a la vez.1

Al cabo de un año tiene la oportunidad de mostrar sus obras en la galería Bilko, de Bilbao y en la galería momento Art de Nueva York. Se le concede el Primer Premio Ertibil de Artes Plásticas de la Diputación Foral de Bizkaia (2005 ). A continuación, gana también el Primer Premio en el certamen Gure Artea (2006 ) otorgado por el Gobierno Vasco junto con Juan Pérez Agirregoikoa y Txuspo Poyo. Realiza una instalación mural en el Centre d'Art La Panera, titulada Desastres Naturales y expone en el Centro Cultural Montehermoso. Inaugura las exposiciones individuales Shuffle en el Espacio 13 de la Fundación Joan Miró ( Barcelona ) y Máquinas extraordinarias en la Sala Rekalde ( Bilbao ). El mismo año participa también en Cataluña, en concreto en Lérida, en la exposición de 25 obras, 17 artistas, 4 relatos en el Centro de Arte La Panera.1

Finalmente, en 2010 se inaugura la exposición New Work a la Werkraum Godula Buchholz, Denklingen, Alemania. Bajo el título Arqueología de verano con perro y pájaro. Su obra forma parte de muestras colectivas en el Domus Artiu 2002 ( DA2 ), Salamanca; el Museo Nacional de República, Brasilia, y el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Participa también en la XII Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Pamplona

Educacîon
1990-95 Licenciada en Bellas Artes, Facultad de Bellas Artes de Leioa, UPV/EHU
1997-98 Cursos de Doctorado del Departamento de Pintura. Facultad de Bellas Artes de la UPV-EHU


Exposiciones individuales

2010
- "New work". Werkraum Godula Buchholz, Denklingen, Munich.

2009
- “Shuffle”. Espai 13, Fundación Joan Miró, Barcelona
- "Máquinas extraordinarias" Sala Rekalde, Bilbao, Spain

2008
- "Tres dibujos" Espacio Marzana, Bilbao, Spain
- “Fernando und Abi”, Homie, Berlin, Nueva York

2007
- "130.000 years of last tendencies" Monya Rowe Gallery, New York
- “Desastres naturales” Centre d’Art La Panera, Lleida
- "Premios Gure Artea" Museo Artium, Vitoria-Gasteiz, Spain

2006
- “Abigail Lazkoz” Galería Dels Angels , Barcelona
- Project room ARCO 2006, Galería Dels Angels , Madrid

2005
- “On view at this exhibition…” Monya Rowe Gallery, Nueva York
- “Esconde La mano” MUSAC, Laboratorio 987 del Museo de Arte
- Contemporáneo de Castilla León, León.
- “Abi Lazkoz” Galería DV, San Sebastian

2004
- “War stories I have heard” Momenta Art Brooklyn, Nueva York
- “Dibujos¨” Bilkin Gallery, Bilbao

2003
- “Abi Lazkoz Zeichnungen“, Werkraum Godula Buchholz, Denklingen, Munich - “Humus”, La Casa Encendida, Madrid

2001
- “Dibujos de Bienvenida”, Fundación Bilbaoarte , Bilbao, Spain


Exposiciones Colectivas

2010
- “Merrie Melodies” Domus Artium, Salamanca
- “Perro y pájaro sobre arqueología de verano” La naval, Cartagena, Murcia
- “24 escalones” Museo Nacional de Arte de Brasilia, Brasil

2009
- “Mi vida, from heaven to hell“ Colección del MUSAC. Mucsarnok, Budapest
- “25 obras, 17 artista, 4 relatos” La Panera, Lleida
- “1er Festival international d’Art Contemporain d’Alger, Argelia

2008
- "L’Art en Europe", Domain Pommery, Reims, France
-"We have moved", Monya Rowe Gallery, Neuva York
-"Without borders", 30th Pontevedra Biennial, Pontevedra, Spain 
-"From Brooklyn with Love" Parker’s Box, Brooklyn, New York
-"Bilder in Folge" Kunstmuseum Sttutgart, Sttutgart, Germany
-"NY Motion 1.0" Instituto Cervantes, Neuva York

2007
- "Chacun a son gout" Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao
- "Streetmodernism" Mama Showroom, Rótterdam, The Netherlands
- "Creación Montehermoso 06" , Palacio Montehermoso, Gasteiz, Spain
- "Deus ex-Machina" Market gallery, Glasgow, UK

2006
- "Marra Aski" Palacio Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, Spain
- "The world as I see it" Estrany De la Mota gallery, Barcelona
- "A picturesque point” Monya Rowe Gallery, Neuva York

2005
- "Greater New York” PS1, New York
- "The Gift", Queens Museum of Art, Queens, Neuva York
- "Sintesis" 15 aniversario de las Becas, Fundacieon Endesa, Madrid
- "Strip-Bilder in Folge/Iimages in Line", Hannover Kunstverein, Hannover

2004
- "Gure Artea 04" Palacio Montehermoso, Gasteiz, Spain
- "Meanwhile in another place…" Sala Rekalde, Bilbao, Spain
- "Itinerarios 2002-03" Fundacion Marcelino Botín, Santander, Spain
- "IV Biennial" Leandre Cristofol, Lleida, Spain

2003
- "Internal Excess, Selections Fall" The Drawing Center, New York
- "Urbania" Amadis Showroom, Madrid, Spain
- "Generación 70" Moisés Pérez de Albéniz Gallery, Pamplona, Spain

2000
- "16 muestra de Arte Joven del Injuve", Círculo de Bellas Artes, Madrid.

Charlas y mesas redondas

2009
- "More medals, bigger responsibility" The Metabolic Studio, Los Angeles, Ca. 
2008
- "Mesa Redonda" XXX bienal de Pontevedra, Pontevedra, Spain
2004
- "Abigail Lazkoz" Sala Rekalde, Bilbao
2004
- VI Jornadas Arte y Mujer, Fundación Troconiz Santacoloma, Portugalete.
2002
- "Abigail Lazkoz" Facultad de Bellas artes de la UPV/EHU
2003
- "Mesa Redonda" La Casa Encendida, Madrid, Spain

Premios y Becas

2006
- Gure Artea, premio de creación artística del Gobierno Vasco - Ayudas a la creación del Centro Montehermoso, Vitoria-Gasteiz 

2003
- Beca Endesa, Teruel

2002
- Beca de artes plásticas de la Fundación Marcelino Botín, Santander
- Primer premio Ertibil Diputación Foral de Bizkaia

2000
- XVI Muestra de Arte Joven, Injuve, Madrid

1995
- Beca “Erasmus” de la UE en Winchester School of Art, Winchester, Reino Unido.




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jueves, 12 de mayo de 2016

José Naranjo Ferrari



Nace en Cantillana, Sevilla en 1981.
Cursa estudios en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, en la cual ingresa en 1999 y es licenciado en Junio del 2004, en la especialidad de pintura. Ha sido becado por la Diputación de Segovia y el Ministerio de Cultura para la beca de paisaje "Pintores Pensionados del Palacio de Quintanar" (Segovia 2004) y la beca de paisaje de la Fundación Rodríguez- Acosta (Granada 2005).Actualmente becado por la Consejería de Innovación y Ciencia con una beca de investigación predoctoral en el departamento de Pintura de la Facultad de BB.AA. de Sevilla.
Datos personales
Nombre y apellidos: José Naranjo Ferrari
Lugar y fecha de nacimiento: Cantillana, (Sevilla) 25/11/1981

Formación académica
2010 Diploma de Estudios Avanzados (DEA).
2004-2005 Curso de Aptitud Pedagógica (C.A.P.).
1999-2004 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Especialidad de Pintura.
Actividad docente
2010- Momento actual Profesor contrato en prácticas de la asignatura "Pintura Mural" de 4º Curso de Bellas Artes, Universidad de Sevilla.
BECAS
2007- Momento actual Beca de Personal Investigador en Formación (FPI).
2007 Beca de Pintura Fundación Rodríguez-Acosta, Granada.
2006 Curso de pintura de El Paular "pensionados del Quintanar", Segovia.
2011
Seleccionado en el LXIV Premio Nacional de Pintura "José Arpa". Carmona.
Finalista en el XV Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera.
2010
Finalista en el XXIV Salón de Otoño de Pintura. Huelva. Casa de Colón.
2009
Segundo Premio en el X Premio de Pintura "Timoteo Pérez Rubio". Oliva de la Frontera. Badajoz.
Seleccionado en el VII Certamen Nacional de Pintura "Juan Roldán" Claustro del Ayuntamiento. El Viso. Sevilla.
Premiado en el XIII Premio Ibérico de Pintura "Doñana 2009". (Adquisición) Pinacoteca de Almonte. Huelva.
Seleccionado en el XV Premio Nacional de Artes Plásticas "Universidad de Sevilla" Sala de exposiciones Facultad de Bellas Artes de Sevilla.
2008
Finalista VI Edición Premio Club del arte PAUL RICARD.
Seleccionado en el LXI Premio Nacional de Pintura "José Arpa". Carmona.
Seleccionado en el XXIX Certamen Nacional de Arte Contemporáneo Ciudad de Utrera.
Mención de Honor en el XIX Premio de Pintura Gustavo Bacarisas. Sevilla.
Seleccionado en el VI Premio Nacional de Pintura "Juan Roldan". El Viso. Sevilla.
2007
Finalista en el I Premio Fundación Cajasur de Pintura. Córdoba.
Primer Premio XIX Certamen de Artes Plásticas "Miguel González Sandoval". Lora del Río, Sevilla.
Seleccionado en el IX Certamen de Pintura Grúas Lozano 2007.
Finalista XXVIII Certamen Nacional de Arte Contemporáneo "Ciudad de Utrera".
Seleccionado en el XXXIV Concurso Internacional de Pintura de Alcalá de Guadaira. Museo de la ciudad. Sevilla.
2006
Accésit en el Certamen ARTE JOVEN 2006. Consejería de Obras Públicas y Transportes. (Obra adquirida).
Seleccionado en el Premio Nacional de Pintura INGEARTE XXI. Edición 2006.
Finalista IV Edición Premio Club del arte PAUL RICARD.
Primer premio Certamen Nacional de Pintura Exmo. Ateneo de Sevilla. Fundación Ramón Areces.
Primer premio del IV Certamen Nacional de pintura Juan Roldán El Viso. Sevilla.
2º premio LIX Premio Nacional de Pintura "José Arpa" Carmona.
Seleccionado en el XXXIV Concurso internacional de pintura de Alcalá de Guadaira. Sevilla.
2005
Seleccionado en el VII Premio Internacional de Pintura FOCUS- ABENGOA 2005.
2º premio en el XXXIII Concurso Internacional de Pintura de Alcalá de Guadaira. Sevilla.
2004
Seleccionado en el Premio Internacional de Pintura FOCUS-ABENGOA 2004. (Obra adquirida).
Obra Seleccionada en el X Premio Nacional de Artes Plásticas "Universidad de Sevilla".
Seleccionado en el VI Premio de Pintura Forum Arte-Sevilla 2004.
Obra premiada en el X Certamen Nacional de Pintura "Ciudad de la Palma del Condado". Huelva.
Seleccionado en el 47 Premio Nacional de Pintura "Ciudad de Ayamonte". Huelva.
Seleccionado en el Certamen Nacional de Pintura Exmo. Ateneo de Sevilla.
2002
Seleccionado en la I Muestra de Arte Contemporáneo MINARTE. Sevilla.
2001
Primer premio cartel de feria. Ayuntamiento de Cantillana. Cantillana. Sevilla.
Obra seleccionada en el Certamen Nacional de Pintura "XXXI Salón de Otoño" San Fernando. Cádiz.


martes, 10 de mayo de 2016

Ángeles Agrela Romero



ANGELES AGRELA Ubeda (Jaén) Spain 1966
Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Alonso Cano de Granada (España)
Actualmente vive y trabaja en Granada, (España). Ha residido en Nápoles, La Habana y Berlin.
Artista multidisciplinar que trabaja con el tejido, el vídeo, la fotografía, la pintura, el dibujo y la obra gráfica. Su proceso creativo normalmente sigue una línea argumental y un grupo de obras va dando paso a otras como partes de una misma historia. Su trabajo siempre ha estado muy relacionado con el cuerpo y trabaja siempre con referencias al propio arte, o al hecho de ser artista, o qué tipo de artista.
Desde 1994 ha celebrado más de treinta y cinco muestras individuales tanto en galerías privadas de España y Holanda como en Instituciones públicas de Italia, Francia, Alemania y España…. Y colaborado en exposiciones colectivas en Suiza, México, Berlín, Miami o Brasil, Nueva York.
El año pasado fue galardonada con la 30ª edición del Premio BMW de Pintura con la obra "Retrato nº51:

Premio del Público de las Artes Plásticas del Canal Sur. Y en 2010 con el Premio de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria.
Su obra se encuentra presente en colecciones como la del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (A Coruña), Colección L´Oreal España, Colección Caja San Fernando (Sevilla), Fundación El Monte (Sevilla), Colección Cajastur (Gijón), Caja Vital Kutxa (Vitoria),Gobierno de Cantabria. Colección de Arte Contemporáneo de la UNED, Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí (Córdoba), así como en las colecciones de las Diputaciones Provinciales de Granada, Jaén, Cádiz, Málaga y Huelva.


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lunes, 16 de junio de 2014

Linnea Pergola

La creatividad de Linnea Pergola hace de sus pinturas una fusión de drama y encanto. Su trabajo consiste en una colección de retratos cautivantes y fascinantes de la vida y de la fantasía.

El Tema del artista es tan diverso y ecléctico como sus antecedentes y viajes. Estudió Historia del Arte, Geografía Cultural, idiomas chino e Historia en la Universidad Estatal de California en Northridge y ha viajado a los países menos frecuentes de Rusia, Escandinavia y Polonia, así como de las Filipinas con el Cuerpo de Paz.

Es su amor por los diferentes lugares y culturas que ella ha visto y estudiado y la historia que ella ha absorbido que le han dado un depósito abundante en la que se sumerge la pluma y el pincel. Aunque muchos temas inspiran a Linnea son los paisajes urbanos los que se observan con mayor frecuencia en toda su obra. Ella abraza un ambiente distinguido y estilos de vida, la arquitectura, la iluminación y la alta energía de las ciudades que encienden su imaginación. El espectador cautivado, se transporta a diferentes momentos.

Nacido en Los Ángeles en 1953, Linnea ahora reside en Nueva Jersey. Desde marzo de 1989 se dedica a la labor del presente Linnea Pergola ha demostrado en muchas galerías incluyendo a Martin Lawrence, Roberts Gallery of Scottsdale y The Ambassador Gallery de Nueva York.

El deseo de Linnea Pergola para expresar su creatividad única es la fuerza impulsora que inspira y le guía a fusionar los diversos elementos del drama y el encanto ingenuo tanto en sus cuadros multimedia y serigrafías. El Cuerpo de la obra de Pergola es una colección de retratos cautivantes y fascinantes de la vida impregnada de fantasía para revelar la respuesta pura y sin afectación del artista para su tema. Pergola admira los colores y estados de ánimo de Georgia O'Keefe, las fuertes ilustraciones de NC Wyeth y las escenas suaves de la vida del sueco Carl Larson. Un instructor de hace mucho tiempo animó Pergola a experimentar con nuevos medios y técnicas, y la presentó a la complejidad y los contrastes que se puede 
lograr a través del dominio de la pluma y la tinta. Pergola utilizó sus características distintivas para componer el estilo singular de su arte. Una vez que el sujeto inspira Pergola, se transforma por el artista en una nueva realidad. A menudo, la imagen se cambia antes de la primera línea que se coloca sobre el lienzo o el papel, mientras que otras veces la imagen cambia gradualmente a medida que el artista interactúa con la imagen. Para empezar, Pergola crea un dibujo detallado de la pluma y la tinta china. El artista se da un mayor sentido de profundidad a la escena añadiendo sombras grises con un pincel y tinta diluida. Todo el tiempo, Pergola debe anticipar el efecto visual de cada pluma y pincel de tinta. La pintura de aceite se utiliza para dar detalles adicionales y la emoción visual coloreando algunas o todas las áreas vacías de lienzo o papel. Cuando el uso del color en las zonas seleccionadas solamente, Pergola se centra la atención del espectador sobre los elementos individuales que se siente son más significativos dentro de la imagen en general.

miércoles, 16 de abril de 2014

María Xesús Díaz


María Xesús Díaz A Coruña, 1957 Su madrugadora vocación artística le lleva a introducirse en el dibujo y la pintura siendo muy joven. Cursa estudios en La Escuela de Artes de su ciudad natal. Su estilo impresionista está lleno de misterio, soledad y calma, los frutos de sus escenarios desembocan siempre en sentimientos y sensaciones reconfortantes. Acercarse a su pintura es acercarse a su interior.
En 1987 expone por primera vez en Madrid, en la I Muestra de Unión Fenosa de Arte Contemporáneo y, a continuación, en El Ayuntamiento de A Coruña. 
Entrado el siglo XXI, traspasa las fronteras de Galicia y del territorio nacional, la artista se siente más plena. El color prevalece más que nunca sobre el dibujo, y el impresionismo se hace cada vez más patente. Uso completo de la paleta. Los escenarios urbanos toman fuerza, casi siempre imaginados y bajo una interpretación muy personal. La espátula se convierte en instrumento esencial. Su obra visita ciudades peninsulares como Córdoba, Marbella, Madrid, Barcelona, Ferrol, Ciudad Real, Monzón, Zaragoza, Buitrago del Lozoya, La Rioja, Girona, Vigo, Plasencia, A Coruña, Baiona, Santiago, Valencia y Porto do Son. y europeas como París y Oporto.

Participa en diversas Ferias de Arte: FAIM (Madrid 2005-2006), ARTERIA (Monzón 2007), PURO ARTE (Vigo 2007), ARTZ (Zaragoza 2007), FEIRA DAS ARTES PLÁSTICAS (A Coruña, Baiona 2008-2009-2010), AEdAL (Valencia 2011).
Sus pinturas son escogidas para decorar los estudios de grabación de la serie Matalobos, emitida por la televisión de Galicia e ilustra libros y revistas. Su obra está repartida en distintas colecciones públicas y privadas.
La autora sorprende con unas pinturas de belleza perturbadora e inquietante, a las que el personal tratamiento del color presta  una dimensión nueva y sugerente, llena de matices e infinitas lecturas. 
Sonia Garrido, escritora y periodista

Los paisajes en contrapunto con las manchas abstractas nos dejan un lenguaje pictórico claro y puro. Sentir la diferencia del mundo real es una de las claves para comprender la pintura de María Xesús. 
Magno Fernandes dos Reis, periodista e historiador. 
María Xesús Díaz inventa su propia realidad, una realidad transparente que deja entrever su alma. Un alma intensa, fuerte y llena de contrastes, más al tiempo, sensible y sutil. Expresiva y profunda, la autora se preocupa principalmente de la estética y del sentimiento, fines que consigue sin problemas a través del exquisito manejo de la espátula, que le permite escribir con el color de su interior.
Patricia Nogueira, crítica independiente



Walter Dexel


Nace en München 1890 y muere en Braunschweig 1973. 
Walter Dexel es uno de los exponentes destacados del Constructivismo de 1920. Como pintor Dexel fue un autodidacta . Estudió historia del arte Heinrich Wölfflin y Fritz Burger en Munich 1910-1914 . Al mismo tiempo recibió clases de dibujo privados con H. Gröber . En 1916 Walter Dexel se graduó de la universidad con un doctorado.

En 1912-1913 realizó sus primeras fotografías durante un viaje de estudios a Italia. Sus primeros cuadros fueron influenciados por los paisajes de Cézanne , con su obra posterior está influenciado por el cubismo y el expresionismo . En 1914 Dexel celebró su primera exposición individual con cuadros cubistas en la " Galerie Dietzel " en Munich.

En 1918 Walter Dexel se convirtió en jefe de exposiciones en Jena, donde realizó las primeras exposiciones con Campendonk y más tarde con artistas de la Bauhaus como Moholy -Nagy . A principios de la década de 1920 la obra de Dexel pasa al constructivismo.

Walter Dexel no se limitaba a las pinturas sobre tabla ,  también trabajó como tipógrafo , diseñador de publicidad y de interiores y decorados . En 1928 , escribió un libro titulado " Das Wohnhaus von Heute ", junto con su esposa Grete Dexel , lo que refleja el interés del artista en las cuestiones de la vida moderna , que el artista mostró desde muy temprana edad .

En 1921 se desarrolló una estrecha amistad con el artista holandés De Stijl Théo van Doesburg . Durante el mismo año Dexel tuvo varias exposiciones en la galería de Berlín Herwarth Walden " Der Sturm " .

Desde 1928 hasta 1935 Walter Dexel trabajó como profesor de diseño gráfico en la Magdeburg " Kunstgewerbeschule " . Fue despedido de su puesto en 1935 por los nazis. Ese mismo año Walter Dexel abandonó la pintura . Walter Dexel comenzó a trabajar en el arte nuevo en 1961. En 1973 Dexel murió en Braunschweig a la edad de 83 años.

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