Lino Lago

El pintor redondelano Lino Lago (1973), ya destacaba con su trabajo cuando por cosas de la vida acabó desarrollando su carrera en Lituania. «Me fui de vacaciones, aterricé y me enamore», reconoce. El artista, que reside en la capital, Vilna, desde hace siete años
Lino Lago, uno de los pintores gallegos más en boga en el panorama actual internacional
Le gusta utilizar la pintura como burla; España necesita sentido del humor

En todas mis obras las imágenes mas caducas o estándar no se creen a si mismas y dejan entrar a “otra cosa diferente”. Con una influencia a lo “humor gráfico” la pintura expone y se recrea en todo lo que tiene de concluida. Una de las obras parece un anuncio: Un fondo negro donde están pintados una simple flor y un texto: “Que hace esta jodida flor aquí?”. Si me preguntase a mi mismo, que he pintado una flor, si tiene sentido pintar una flor diría que no. Este “Espacio reservado” es simplemente lo que significa la pintura o el arte en general: Ese espacio (siempre) a rellenar. En mi caso reservado para la duda, si es posible.”

Lino Lago nació en Redondela, Pontevedra en 1973. Se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Desde hace dieciséis años expone regularmente en Nueva York, La Habana, Shangai, Madrid, Berlín o Copenhague entre otros lugares y su trabajo forma parte de diferentes colecciones públicas y privadas.

Vaisman, Meyer

Vaisman, Meyer Nace en Caracas en 1960. Sus padres provienen de Ucrania y Rumania.
Artista de medios mixtos. Estudió ingeniería en el Dade Community College (Miami, Florida, Estados Unidos, 1978) y diseño comunicacional en la Parson School of Design, Nueva York (1980), donde, además, estudia bellas artes. En 1984, junto a compañeros de estudio, funda la galería International With Monument de Nueva York, que abandona dos años más tarde para dedicarse a su producción artística. Ha realizado exposiciones individuales y ha participado en numerosas muestras colectivas, entre ellas: "Alice Albert, Peter Nagy & Meyer Vaisman" (With Monument Gallery, Nueva York, 1984), "Philosophies on the art process" (Galería Makkom, Amsterdam, 1984), "Select artists the East Village" (Holly Solomon Gallery, Nueva York, 1985), "Rooted Rhetoric" (Castel dell'Oro, Nápoles, Italia, y Jay Gorney Modern Art, Nueva York, 1986), "Recent tendencies in black and white" (Galería Sidney Janis, Nueva York, 1987), "Cultural geometry" (Deste Foundation for Contemporary Art House of Cyprus, Atenas, 1988), "The silent baroque" (Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburgo, 1989), "El jardín salvaje" (Fundación Caja de Pensiones, Madrid, 1991), "Altrove: imagine e identità, fra identità e tradizione" (Museo d'Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, Italia), "Tutte le strade portano a Roma" (Palazzo delle Esposizioni, Roma, 1993). En 1989 recibió el primer premio de la I Bienal Christian Dior (MACC, 1989) con Autorretrato con hermanos imaginarios.

Su obra se ha asociado con las tendencias norteamericanas del neogeo y el pospop. Su interés por la ironía se inicia hacia 1986 cuando realiza Toda la cosa pública, cuatro asientos de inodoro colocados simétricamente en una plataforma serigrafiada. Entre 1986 y 1987 trabajó su serie Los retratos del Uffizi (1988, colección GAN), a partir de monedas serigrafiadas colocadas sobre estructuras forradas con telas estampadas, y entre 1987 y 1988, su serie Fillers (rellenos), formas cubiertas con telas en las que amplió el tejido del lienzo para simular un cuadro. Algunos de estos trabajos realizados con grandes estampados industriales o serigrafiados con elementos de collage, sugieren parodias visuales. A estos soportes de tela siguen, a comienzos de los años noventa, las tapicerías y pendones (réplicas de gobelinos con temas célebres como Hércules y el unicornio), intervenidos con elementos del cómic. En algunos casos llega al refinamiento de obras como Jardín zen (1990), realizada con satén de seda y tinta sobre algodón, o a la parodia de Fleur de lys (1991), en cuya tarja reprodujo un cambur. En otras piezas de esta serie empleó escritos ilegibles o signos imbricados con gran habilidad y un incuestionable interés técnico. "El suntuoso derroche de elementos decorativos, que en los tapices estaba destinado a complementar la narración de historias heroicas, ahora ha sido intervenido para reflejar las variadas formas de crisis de identidad del hombre actual […]. Con este procedimiento se vanagloria al mismo tiempo el chiste trivial (expresado en los mensajes escritos) y el elitismo cultural (presente en los motivos antiguos), propiciando una convivencia entre lo popular y lo exquisito" (Meyer Vaisman. Obras recientes [guía didáctica], 1993). En sus instalaciones o esculturas de esta época utilizó pavos disecados con mantillas y ropajes. En su serie Pavos realiza radiografías de estos animales (1992-1993). Su visión del arte es cínica ya que crea obras que simulan y se burlan del arte de pintar, del proceso creativo y de la relación de los artistas y del mercado.

Entre 1990 y 1993 participó en las muestras "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN, 1990); II Bienal de Guayana (1991); VI Edición del Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza, 1992); "Nuevas adquisiciones 1991-1992" (GAN); "CCS-10. Arte venezolano actual" (GAN, 1993), con Verde por fuera, rojo por dentro (1993), instalación que reflejaba la oposición entre los fenómenos sociales: un rancho con orificios para mirar hacia adentro y acceder a un mundo íntimo y privado, recreación de la propia habitación donde el artista vivió su adolescencia. La yuxtaposición entre diversos códigos y culturas en las que ha tenido que vivir el artista, han incidido en la creación de una obra que expresa con ironía las contrariedades de la existencia humana. En 1997 formó parta de la muestra "La invención de la continuidad" (GAN) y en 1998 fue invitado a la I Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil). Ruth Auerbach señala en torno a la propuesta de Vaisman que: "utilizando una iconografía plagada de ficciones, caricaturas y personajes alterados y transmutados, manipula los significados para comunicar de una manera muy personal, aunque no estrictamente geográfica, la verdad intrínseca de la vida contemporánea en toda su paradoja. Su respuesta nunca es directa. Utiliza como estrategia el enmascaramiento, la superposición de ficciones, forzando así la ambigüedad para contradictoriamente conseguir ideas claras" (1997). Actualmente vive y trabaja en Nueva York. La GAN posee obras representativas de este artista, como Los retratos del Uffizi (1988), Grotesco (1991) y Verde por fuera, rojo por dentro (1993).

Premios: 1989 I Bienal Christian Dior, MACC

Dario Urzay

 

Nace en Bilbao el 13 de diciembre de 1958.

Estudia Bellas Artes en la Universidad del Pais Vasco. Consigue la licenciatura en 1982. Desde 1983 a 1987 imparte la enseñanza como profesor en la misma universidad.
En 1987 reside un año en Londres invitado por la Fundación Delfina Studios. Viajará posteriormente a Nueva York ciudad en la que durante nueve años, alternará su actividad con Bilbao.

En 1983 obtiene el premio Gure Artea, En el 2005 su trabajo es reconocido con el Premio Nacional de Arte Gráfico y el Excellence Work Award en la Bienal de Beijing.
Importantes colecciones cuentan con obras de Urzay en sus fondos. Cabría destacar el Museo Guggenheim Bilbao, el Centro Nacional Museo Reina Sofía en Madrid, La Deutsche Bank Collection de Londres, el Museo Patio Herreriano de Valladolid o el museo ARTIUM entre otras.

Las obras de Dario Urzay muestran que el arte debe actuar en un mundo abierto, no excluyente, un mundo de cambios y simbiosis continuas, donde la poética personal y la observación  se retroalimentan para inducir nuevas formas de conocimiento y comunicación.
Sus obras son hibridaciones complejas. Mostradas estilísticamente en un formato de aspecto abstracto, construyen un territorio imaginario, inventado a partir de metáforas, en el que no hay voluntad de correspondencia con una verdad externa.

Utiliza un lenguaje propio, gestado y madurado durante tres décadas, que no es concebido ni como rmedio, ni como expresión interior  sino simplemente como una herramienta de adecuación al entorno de un momento que le ha tocado vivir.

El proyecto del artista incluye cualquier manera eficaz de generar nuevas configuraciones del mundo a través de la experiencia con el arte. Pero no de una manera aislada, ni autorreferencial, sino conectada con el total del conocimiento humano. La geografía, la biología, la química, la programación informática y la iconografía aplicada, pueden ser algunas de sus fuentes de trabajo. La contemporaneidad de sus pinturas ofrecen buen ejemplo de ello.

En el mundo de Urzay cualquier escenario humano es susceptible de intervención artística, porque nada debe escapar al análisis de la belleza o de sus reversos. Su investigación obsesiva de procedimientos técnicos, desde los más tradicionales con pigmentos y aglutinantes hasta la manipulación digital de grabaciones audiovisuales y la interacción con públicos en escenarios específicos, muestran una permanente inquietud donde nada queda concluido, nada es definitivo.

Ana Sacerdote

 

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Ana Sacerdote nace en Roma el 25 de Septiembre de 1925. En 1940, a los 14 años, viaja a Buenos Aires con su familia.

Dos años más tarde se inscribe en la Escuela de Arte Manuel Belgrano y en 1946 le otorgan su diploma en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires. Estudia también retratos con Lino Eneas Spilimbergo.

En 1948, sin haber estudiado escultura formalmente, empieza a crear bustos-retratos en concreto y más tarde, el 18 de junio de 1950, gana el segundo premio en el Concurso de Manchas en la Boca. Es a partir de 1949 que la artista comienza a interesarse en el arte abstracto a través de la revista Francesa de arte, Art d’Aujourd’hui, publicada por André Bloc.

En los tempranos años 50, impresionada por una muestra de estudiantes de Héctor Cartier, Ana organiza un grupo de estudio independiente dirigido por Cartier sobre Visión y Composición Plástica. Estas clases se desarrollan en el garage en desuso de la casa familiar de Ana en la calle Medrano al 1146. Cartier, maestro de Julio Le Parc, Alejandro Puente y César Paternosto, entre tantos otros, es quien introduce la influyente Cátedra de Visión en la Facultad de Bellas Artes de La Plata y en la escuela de Bellas Artes de Buenos Aires. Durante estos encuentros, Ana tiene contacto con ideas tales como las de la Gestalt y la sección áurea. También descubre libros como Art as Experience de Dewey, Rhythmes de Ghyka, Psychologie de la Forme de Guillaume, The Language of Vision de Kepes, Gestalt Psychology de Wolfgang Kohler, Principals of Gestalt Psychology de Kurt Koffke, The Permanent Palette de Fisher Martin, Design Fundamentals de Robert Gillam Scott and On Growth and Form de D’Arcy Thompson. Más adelante escribirá: “Estudiar composición plástica te sugiere un legítimo curiosidad hacia la composición musical, sistema sobre relaciones de sonidos en vez que sobre relaciones de colores.”

En 1955 pinta su primer óleo abstracto, Estudio de equilibrio. Referentes para esta composición son Malevich y Moholy-Nagy, como también obras de los 40 de los artistas concretos argentinos Raúl Lozza, Alfredo Hlito y Juan Melé. Pinta Tema Lineal (Estudio en continuidad) y Variaciones de un tema de cuadrilaterales opuestos, óleos sobre tela que la relacionan con los concretos y neoconcretos brasileños, aunque la artista no recuerda haber visto las obras de éstos.

Participa en encuentros de la naciente Asociación Arte Nuevo con Carmelo Arden Quin, Aldo Pellegrini, Gregorio Vardánega, Virgilio Villalba, Luis Tomasello y otros, en un café de la calle San Martín en el centro porteño. Conoce a Martín Blaszko, con quien inicia una amistad que perdurará hasta el final de la vida de éste. Exhibe las obras Estudio de equilibrio y Estudio lineal (1955, ahora destruida) en el Primer Salón de Arte No Figurativo de la Asociación Arte Nuevo, en la galería Van Riel de Buenos Aires.

En 1956 es parte del comité de redacción de los primeros cuatro números de la revista Arte Nuevo junto con Manuel Alvarez, Carmelo Arden Quin, Martin Blaszko, Luis Tomasello, Towas, Gregorio Vardánega y Virgilio Villalba. Publica en su primer número el texto Acerca de un hipotético tratado de armonía de la pintura en el que propone la aplicación de reglas de la composición musical a la composición de la pintura abstracta.

Gracias a una recomendación de Pablo Curatella Manes, a quien había conocido a través de Martin Blaszko, y de Jorge Romero Brest, recibe una beca de pintura del gobierno francés para estudiar en Paris. Vive en la Cité Universitaire, cuyos talleres de pintura y fotografía utiliza.

En el segundo salón anual de la Asociación Arte Nuevo en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori de Buenos Aires exhibe su trabajo, Variaciones sobre un tema de cuadrilaterales opuestos.

En 1957 se casa con Paul Guthmann en Estrasburgo y viven en distintas ciudades de Europa.

En 1958 nace su primera hija, Monique. En este mismo año pinta en Paris Monocromático, de cuya obra surgen las ideas que seguirá explorando en su película animada experimental, Essai de couleur animée, que comienza a crear el año siguiente en Cuba. Utilizando una cámara Paillard Bolex 16mm y un complejo sistema de montaje y filmación concebido y construido por ella, empieza su trabajo para Essai de couleur animée. Para ello, pinta y luego filma cada uno de los cuadros de animación de la primera sección llamada Monochrome. Las ideas exploradas en esta película ya estaban presentes en su texto de 1956. Su labor también se inspira en las obras pioneras de Hans Richter, Viking Eggeling, y Norman McLaren.. Essai de couleur animée será una de las pocas películas sobrevivientes de artistas argentinos de los años 50 y 60.

En 1960 regresa a Paris, asiste a la muestra de Hans Richter – 40 ans de peintures-rouleaux en la galería Denise René. Allí le proyecta al artista la primera sección de su película Essai de couleur animée. Según cuenta la artista, cuando Richter la vio, dijo: “Usted es mi continuadora.”

En 1961 se muda a Rio de Janeiro y pinta Sete Acordes que exhibió en el Salão Nacional de Belas Artes, de esa ciudad. Nace su segunda hija, Gisele. Aproximadamente entre 1961 y 1962 pinta su serie de témperas geométricas más libres y participa en el Salão Nacional de Arte Moderno de Rio de Janeiro. En 1964 se muda a San Pablo donde vivirá hasta 1967, año en el que retorna definitivamente a Buenos Aires.

Peter Krauskopf

Peter Krauskopf Nace en Leipzig, Alemania, 1966. Vive y trabaja en Berlín, Alemania. Today his pictures are situated on the threshold between concrete and abstract art. Hoy sus cuadros se encuentran en el umbral entre el arte concreto y abstracto. Está interesado sobre todo en el proceso del sobrepintado,que el artista entiende como una sobreescritura del tiempo. Todas sus obras–tanto las pequeñas láminas de colores intensos como las grandes degradaciones de un único color– parecen abstractas a primera vista. Sobre fondos homogéneos, que bien consisten en pinturas abandonadas o en preparaciones monocromas, Krauskopf realiza una única intervención para crear una nueva imagen.

De este modo, con ayuda del pincel aplica un color apagado sobre una imagen previamente existente. Así crea una simbiosis entre una imagen del pasado y su conclusión en el presente.Rather than painting actual places, he grasps moments experienced in nature. En lugar de pintar los lugares reales, capta momentos vividos en la naturaleza. The memory of something rather than what was seen is important, “Things become interesting to me when real experience meets abstraction. Sus cuadros son lugares mágicos de la memoria, ya que pueden recuperar recuerdos olvidados en el observador.

Iva Gueorguieva

 

Iva Gueorguieva nace en 1974 en Sofía, Bulgaria Vive y trabaja en Los Ángeles, California, EE. UU. La artista genera una sensación de frenética actividad en cada una de sus composiciones expansivas. Las obras cuentan con trayectorias de vuelo y  curvas de líneas y colores que crean una sensación de profundidad y movimiento. Sus espacios son remolinos activos como los de Julie Mehretu, pero sus formas en cascada comparten la fisicalidad de las pinturas extravagantes de Matta. Con su hábil manejo de múltiples técnicas y el uso distintivo de color, los colores de sus obras son consistentes pero no reiterativos.

Un examen detallado de las pinturas revela finas tiras de lino, blanco roto o manchado con color, con aplicaciones a la superficie, y sus bordes nítidos prestan un cargo adicional gráfico para cada composición. Las configuraciones animadas de formas abstractas alusión a las agrupaciones figurales. Algunos de estos, sin embargo, se asemejan a los robots en lugar de figuras humanas.

Las composiciones de papel también contiene una impresionante variedad de marcas gráficas y, en algunos trabajos, hace agujeros en el papel para permitir ver la pared expuesta en sí misma para servir como terreno de la composición. Hay una referencia recurrente a los bebés y los niños en su trabajo. En medio de una ráfaga de líneas y lavados de tinta de diferentes densidades, la forma de una forma hinchada evoca una figura embarazada, que se repite en posición vertical y boca abajo en el centro del campo.  En suss obra y en los lienzos, las imágenes  invitan a una cierta intimidad que, a pesar de la gran escala y las superficies febriles, permite al espectador conectarse a nivel personal con la visión de este pintor joven y talentoso.

Luisa Kasalicky

Luisa Kasalicky Nace en 1974 en la Republica Checa y crea obras que se pueden situar en la frontera entre la instalación,la pintura y la escultura, con un estilo que combina elementos constructivistas y barrocos. La artista organiza formas simples de un modo narrativo, una práctica que recuerda a las escenografías barrocas y que se puede interpretar como una reacción a la homogeneización de la creación de imágenes en la fotografía y en el cine actuales.

En sus instalaciones, se deja llevar por los juegos narrativos y presenta las pinturas como telones teatrales barrocos, sin dejar de reflejar la inmediatez sensorial de la percepción consciente. Estas obras se exponen junto a los tradicionales paneles con témpera que la artista suele crear en su estudio. Al igual que sucede en sus instalaciones, en estos paneles los motivos individuales se relacionan con el espacio pictórico a través de la narración.

Jeff Koons

 Jeff Koons (Pensilvania, 1955)es un artista estadounidense . Empezó a tomar lecciones de pintura desde niño, siempre se consideró un pintor, pero fue a los 21 años cuando llega la escultura a su vida.

Su obra ha sido clasificada como minimalista y Neo-pop, sus obras consisten  en esculturas conceptuales que fueron  adquiriendo monumentalidad. Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.

Su obra se destaca por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad.

Jeff Koons estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en el Colegio de Arte de Maryland. Trabajó como corredor de bolsa en Wall Street antes de establecerse como artista. Comenzó a hacerse notar en la década de los 80 y abrió un taller con un personal de 30 ayudantes manejado de modo similar al célebre estudio de Andy Warhol conocido como The Factory.

Koons fue quizás el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen.

Dada la naturaleza de su arte, Koons ha sido en repetidas ocasiones objeto de demandas legales por violación a los derechos de autor no siempre obteniendo veredictos favorables en las cortes.

Casado en 1991 con la actriz pornográfica italiana Ilona Staller (Cicciolina), ambos tuvieron un hijo al año siguiente llamado Ludwig. La pareja se disolvió y la madre huyó a Europa donde aún vive con el hijo de ambos a pesar de que las cortes estadounidenses hayan fallado la custodia del infante a favor de Koons.

Jeff Koons está entre los artistas vivientes más cotizados de los Estados Unidos.

Su obra Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad (Puppy). A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.

Jeff koons aparece como artista en la década de los 80, en plena época consumista, donde la exaltación de lo superfluo es evidente. Hay que recordar que no carece de grandes polémicas a lo largo de su vida. De todo el gran ámbito consumista surge su obra, la cual pretende conmover y criticar esto de forma perturbadora y a la vez con un toque de humor un tanto malévolo. Entra aquí igualmente la influencia de los medios, que se aprovechan totalmente del despilfarro de la masa. Utiliza objetos cotidianos y de valor mínimo para conseguir su objetivo, al igual que hizo Duchamp, colocándolos en galerías iluminados y carentes de su antigua función. También son frecuentes en algunas de sus obras chicas pin up, juguetes hinchables y demás objetos de la clase media. La idea es la principal característica que debe coronar a la obra. Sus objetos provocan una especie de burla la cual va encaminada directamente hacia la influencia de la mayoría de la población por los mass media y la publicidad.

Sorprendentemente a través de la publicidad, la cual enmarca como provocante de la actitud de la masa, se hace un importante hueco para tratar sobre los sueños de la clase media y la búsqueda ansiada de fama, dinero y estilo de vida (algo de lo que Jeff Koons se aprovechó durante gran parte de su vida).

Para él la clase media siempre pensó en lo efímero y se bastó de lo más simple para su convención.

La obra es de gran importancia dentro de la historia del arte ya hoy día, ya que su propósito y la idea son coherentes en todos sus sentidos. Además el tema que siempre trabajó fue de lo más apropiado para la época.

La mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual, minimalista y pop. Aunque muchos críticos lo han denominado como el principal artista kitsch. Con obras como Banalityy la recientemente encontrada Pantera Rosa, Jeff Koons lo tiene todo para ser una estrella en el mercado del arte, con piezas tan kitsch como él.

Mika Tajima

Los Ángeles, Nace en EE. UU.,en el año 1975. Vive y trabaja en Nueva York, EE. UU.
La obra de Tajima establece una relación entre la abstracción geométrica y la forma de nuestro entorno construido para estudiar la producción del sujeto performativo en espacios donde los objetos materiales revelan acción y compromiso.

Tajima utiliza la escultura, la pintura, el vídeo, la música y los eventos discursivos, y suele aprovechar el contraste de las contradicciones inherentes al diseño y a la modernidad arquitectónica para analizar el régimen hiper-industrial de la producción colectiva y contingente. A menudo trabaja en colaboración con otras personas, y ha estudiado la figura del filósofo, el bailarín, el orador, el diseñador, el escritor, el holgazán, el vagabundo, el trabajador, el cineasta, el intérprete, el tejedor, el pintor, el fotógrafo y el conductor. En ocasiones firma sus trabajos de colaboración con el seudónimo New Humans. Recientemente ha colaborado con Charles Atlas, Vito Acconci, C. Spencer Yeh y Judit Butler, entre otros.

Eva Berendes

EVA BERENDES
Berendes, artista nacida en Bonn (Alemania) en 1974, curso sus estudios entre Múnich, Berlín y Londres. Actualmente vive y trabaja en Berlín aunque ha conseguido realizar exposiciones en numerosas galerías internacionales como Ancient & Modern Gallery de Londres (2011), Elisa Platteau Galerie de Bruselas (2011) o Sommer & Kohl Galerie de Berlín (2010) entre otras.

Con una estética que va más allá de  un lenguaje modernista, la artista, crea un lenguaje donde mezcla Las Bellas Artes, diseño y artesanía básica, influida por fuentes tan diversas como la pintura suprematista rusa, la Bauhaus, el Arte Cinético o el mobiliario Menphis y  su revisión de los años ochenta.El espacio de la galería se transforma en un gabinete a través de sus diferentes piezas, relieves de yeso, esculturas de metal perforado a modo de biombos orientales y elegantes sedas pintadas. A través de la longitud de las ventanas, una cortina de seda de  gran tamaño, pintada a mano con grandes composiciones gráficas y realizada para esta ocasión, bordea el espacio de la calle, y proporcionando un telón de fondo atmosférico de las obras expuestas.

Ashley Bickerton

Ashley Bickerton nacido en Barbados , 1959 es un artista contemporáneo que viven en Bali . Un artista de medios mixtos, Bickerton a menudo combina ambos elementos fotográficos y pictóricos con objeto industrial conjuntamente .
Lo asocian la década de 1980 el movimiento de arte Neo-Geo, que incluye artistas como Jeff Koons y Peter Halley.
Nacido en Barbados en 1959, Bickerton es el hijo de Derek Bickerton , lingüista y estudioso de la Creole y pidgin idiomas. El trabajo de su padre hizo que la familia viajase por el mundo cada varios años. Cuando era niño Ashley Bickerton vivió en varios países de los cuatro continentes. La familia finalmente se estableció en Hawaii en 1972. Se convirtió en un ciudadano de los EE.UU. en la década de 1980. En New York es donde estableció su carrera antes de asentarse finalmente en la isla de Bali en 1993, donde reside en la actualidad.

Bickerton se graduó en el Instituto de Artes de California en 1982, antes de trasladarse a Nueva York para asistir al Museo Whitney Independent Study Program. Después de exponer algunos años en Nueva York, fue incluido en un programa de cuatro personas en la Galería Sonnabend en 1986.  La exposición lanzó las carreras de este cuarteto de jóvenes artistas que, en conjunto llegaron a ser conocidos como los "Cuatro Fantásticos", e incluye Jeff Koons , Peter Halley y Meyer Vaisman . Estos artistas formaron el núcleo de lo que llegó a ser conocido como el "Neo-Geo". En 2009, fue incluido en Pop Life: Arte en un Mundo Material, en la Tate Modern de Londres Al año siguiente se exhibió en la recogida de Bienales en el Museo Whitney de Arte Americano, que actuó como un contrapunto al homenaje Bienal de 2010 y de pago para los últimos 80 años de la Bienal de Whitney. Ha tenido exposiciones individuales en Lehman Maupin Gallery (2006, 2008, 2011), Galería Sonnabend , (2000, 2004, 2006), ambos en Nueva York, y White Cube de Londres (2001, 2009).

Durante los últimos veinticinco años, Bickerton ha expuesto su obra internacionalmente y se incluye en el arte público y las colecciones de los museos. Sus obras se llevan a cabo en las colecciones del Museo de Arte Moderno , la Tate , la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain de París, el Museo Stedelijk de Amsterdam, el Museo Colección Berardo de Lisboa, Portugal, el Museo of Contemporary Art, Chicago , y el Whitney Museum of American Art ., Nueva York
Ashley Bickerton trabajo ha explorado temas en el arte contemporáneo relacionado con la commidification del objeto de arte en sí. A menudo, sus objetos son grotescos de una manera consciente de sí mismo y con frecuencia son una crítica al capitalismo.
En la década de 1980 Bickerton hizo una serie de obras que parecían cajas de embalaje y cajas, cubiertas con logotipos de empresas. Sus primeros trabajos se destaca por su pantalla de logotipos de empresas y construcciones titulados, ya sea como "autorretratos", "piezas comerciales, "o" Anthropospheres ". Por lo general son ensamblajes de materiales tecnológicos o industriales con la inclusión de elementos encontrados y serigrafiadas imágenes iconográficas. Estos objetos aparentemente funcionales sin propósito claro se cubren a menudo en varios logotipos, señalización, tecnológico y códigos. Su obra "Pintura abstracta para Personas 4" realizados en 1987 se incluye ahora en la colección de François Pinault en 2007

Katharina Grosse

Katharina Grosse nace en Friburgo/Breisgau, Alemania, 1961. Vive y trabaja en Berlín, Alemania. Centra su práctica artística en la expansión de las fronteras del género pictórico, utilizando como herramientas el color —brillante y contrastado—, y un excepcional manejo de la técnica que ha ido evolucionando desde que hace más de tres décadas iniciara su proyecto creativo: en sus primeras obras la pintura era aplicada siguiendo el plano donde las líneas se superponían formando una retícula; a partir de los años noventa comienza a utilizar el compresor con el que enfatiza la gestualidad, disuelve los límites físicos del soporte y gana en tamaño; en la actualidad, además, introduce la materia orgánica revelando así, nuevas texturas.

HEIMO ZOBERNIG

HEIMO ZOBERNIG Nace en Mauthen, Austria, 1958. Vive y trabaja en Viena, Austria
Una de las principales características del trabajo de Zobernig, es la puesta en escena de la exposición como arte. En su obra, los componentes de la exposición (pedestales, marcos, cartelas, pantallas de proyección, sillas y bancos, textos de pared), se presentan a menudo como objetos de arte autónomos, piezas de “arte por el arte”, que poseen una aparente independencia respecto a su propio montaje.
Ha expuesto indivual y colectivamente en diferentes museos, galerías e instituciones desde finales de los años setenta. En noviembre de 2012 se celebró una importante retrospectiva en el Palacio de Velázquez (Parque del Retiro, Madrid), donde además de la selección de cuarenta obras expuestas propuso una intervención que modifica como el visitante experimenta el espacio del Palacio de Velázquez.

Simon Edmondson

  

Simon Edmondson (Londres, 1955). El pintor, que vive y trabaja en Madrid desde 1991 aunque se formó en Londres y Nueva York.
Su obra está representada en las principales ciudades de todo el mundo y participa asiduamente en las más prestigiosas ferias de arte como Arco, Art Chicago, Art Basel y Art París.  Habitualmente la crítica sitúa al pintor –formado en Londres y NuevaYork y que actualmente vive en Madrid- en las coordenadas de la figuración británica que germina en los años de posguerra, pero la
contemplación de los cuadros de Edmondson producen la sensación de que el pintor nos sitúa en el final de una tradición de la representación del espacio. Parece que llegamos al fin de un camino que consistía en la captación realista de toda la plenitud y Edmondson, desde posicionamientos figurativos, pretende una nueva vuelta de tuerca, llevando al límite la representación de la imagen cuya preocupación lumínica y táctil a la vez, con una captación atmosférica que puede hacer pensar en su pasión por pintores como Velázquez combinada con un luminismo que hace que nos salgan al paso nombre como Caspar David Friedrich, J.M.W. Turner y tras este Claude Le Lorrain.

Las pinturas de Simon Edmondson tiene mucho también de  escenografías: espacios desolados como los del “Red Carpet” (2008-9) o “Le Balcon” (2009), o de una teatralidad romántica como “Battlefield with Bells” (2008-9) o “Bedroom” (2010). En conjunto configuran una construcción visual que, sin referencias ni metafísicas ni filosóficas directas, hace densa y palpable la condición dolorosa del hombre; todos podemos morar en la vigilia de estos cuartos en los que germina el centellear de la ruina o vernos reflejados en pantallas deformantes que esparcen caras angustiadas, también la nuestra. Es necesario recordar que, obviamente, el pintor no persigue el exceso, sino que tiende a la delicadeza que todo el tratamiento formal de las obras delata, porque en primer lugar de lo que se trata es de realizar pinturas con máximo nivel de calidad, y en este aspecto el pintor tiene una voluntad inalterable de perfección. Edmondson se sirve de elementos de gran aliento expresivo – poéticos, teatrales y pictóricos- para forzar la rosca, para excavar todo el pasado artístico, pero con plena consciencia de que lo que desea es seguir formando parte de él.

PREMIOS
1978 Ford Foundation Award for Painting.
1979 Assistantship. Syracuse University, New York.
Ford Foundation Award for Painting
1980 Graduate Fellowship. Syracuse University, New York.
1984 Greater London Arts Association Award.
2004 Prix de la ville de Monaco

David Magán

 

David Magán (Madrid, 1979) es escultor en vidrio. Formado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, donde se especializa en el trabajo de la madera y el hierro, pronto muestra un fuerte interés por el vidrio. Resultado de su profundización en este ámbito es el desarrollo de una técnica personal en la que fusiona la compartimentación cromática mediante piezas de vidrio plano característica de la tradición vidriera y una concepción espacial heredera de los procedimientos tanto escultóricos como arquitectónicos. De este modo, sus obras se convierten en un continuo proceso de experimentación con los desarrollos que la luz y el

color van trazando en su diálogo con el espacio. Abiertas o cerradas, dinámicas o estáticas, cada una de sus piezas constituye un complejo juego donde el espectador se enfrenta a distintas posibilidades: o bien la actividad y la fruición contemplativa vinculadas a las obras pictóricas, o bien el giro y las tensiones que exigen las artes tridimensionales.

David Magán  :"La búsqueda de la belleza a través del orden, la armonía, el equilibrio y la proporción es el principal motor que impulsa mi trabajo. Pero creo que este proceso debe ir acompañado de un desarrollo intelectual que sea capaz de despertar en el espectador una inquietud o un interés, que le haga descubrir los distintos aspectos de la obra a medida que profundiza en su estudio.

Rompiendo con el concepto de que la escultura parte de un solo volumen cerrado, mi trabajo pretende mostrar cómo, a través del plano, pueden crearse multitud de posibilidades tridimensionales. Las cuales parten de un profundo estudio de la geometría y tienen como elemento común la transparencia a través del uso de colores primarios de vidrio que, superponiéndose unos a otros, crean fusiones de color como en la paleta de un pintor. Por esto, la luz es la verdadera protagonista en mi obra ya que es capaz de modificar la escultura y el espacio que la rodea haciendo que estos dos formen un todo lleno de colores, sombras y reflejos.

Nunca dejo cerrada una idea en mi mente, puesto que pienso que las ideas deben fluir y abrirse a los acontecimientos que vayan surgiendo durante el proceso de creación y experimentación." Desde su inicio como escultor, hace una década, Magán ha considerado al  vidrio templado soporte y medio de su obra. Sus estudios académicos sobre el  vidrio y sus efectos comenzaron en 2002 y culminaron en 2008, tras su paso  por la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, con un curso en la Real Fábrica de 

Vidrio de La Granja (Segovia).

De manera paradójica, después de más de dos años de residencia en una ciudad tan poco luminosa como Londres, la obra de Magán, se ha hecho todavía más abierta al efecto de la luz. Para esta exposición se han 

seleccionado algunas obras realizadas en el Reino Unido y otras ejecutadas en el estudio madrileño del artista que trabaja en forma de series que investigan la luz, el color y el espacio como lugar a ser delimitado mediante la forma.