Herbert Zangs

Herbert Zangs (27 de marzo de 1924 en Krefeld - † 26 de marzo de 2003 en Krefeld) es un pintor alemán. Entre los años 1945 y 1950, Zangs estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf, bajo la tutela de Otto Pankok.

Después de la guerra en el servicio militar y su internamiento como un prisionero de guerra, Herbert Zangs comenzó a estudiar arte en la Academia de Arte de Düsseldorf en 1945, donde fue enseñado por Otto Pankok y otros. Finaliza sus estudios en 1949. En sus viajes posteriores en el país y el extranjero, Zangs producido numerosas obras figurativas, que se muestra en su primera exposición individual en el "Museo Kaiser Wilhelm" en Krefeld en 1950.

Ese mismo año Herbert Zangs se trasladó a su estudio en el "Künstlerhaus" en Sittarder Straße, en Düsseldorf, donde también creó sus primeras obras abstractas.Durante la década de 1950 el artista vivió principalmente mediante la producción de pinturas figurativas en la comisión, mientras que al mismo tiempo el desarrollo de su obra abstracta reales.

En este momento se produjo su primer "Ver-Weißungen" de las estructuras y los objetos cotidianos, primeros collages y objetos. En 1953 Zang visitó una exposición de Düsseldorf "Doce Pintores Americanos y sulptors" del Museo de Arte Moderno y estaba particularmente fascinado por el trabajo de Jackson Pollock. El desprendimiento de la tela del caballete y el gesto rítmico de la aplicación del color confirmar Zangs en su propia transgresión de las fronteras y lo inspiran a otros experimentos.

In 1952 Herbert Zangs received the "Kunstpreis" of the city of Krefeld. En 1952 Herbert Zangs recibió el "Kunstpreis" de la ciudad de Krefeld.

En 1958 el premio del Instituto Franklin de los Estados Unidos siguieron y en 1962 fue galardonado con el premio europeo a la pintura en la Bienal de Ostende.

De 1962 a 1965, el artista inquieto mudó al sur de Francia durante algunos años.

Numerosas estancias en el extranjero siguieron hasta Zangs se señaló de nuevo a su ciudad natal de Krefeld, en la década de 1980.

Zangs hizo amistad con numerosos artistas, su relación con Wols y Lothar Quinte puede haber tenido un impacto particular en su trabajo.

Desde el punto de vista de la historia del arte, el trabajo Zangs se puede atribuir a informalismo y divididos en varios grupos, incluidos los "Ver-Weißungen", "Rechenzeichen-colágeno", "Scheibenwischer-Bilder", "Pinselabwicklungen" y "Peitschenbilder" , que están claramente separadas unas de otras, pero aún así reflejar el estilo único del artista.

Después de la exposición "Das Bild offene" en el "Landesmuseum Westfälisches" en Münster, en 1993, el trabajo de Herbert Zangs fue recibida de manera diferente.

Exposiciones

• 1950 Krefeld, Alemania, Kaiser Wilhelm Museum, Herbert Zangs - Gemälde
• 1957 Londres, Reino Unido, New Vision Centre Gallery, New Paintings by Herbert Zangs
• 1963 Düsseldorf, Alemania, Kunstmuseum im Ehrenhof, Herbert Zangs - Kurt Link - Werke der beiden in Oostende mit dem „Prix Europe“ ausgezeichneten Künstler Lausanne, Schweiz, Galerie Kasper
• 1965 Düsseldorf, F. G. Conzen
• 1967 Bruselas, Bélgica, La Galerie 44, Herbert Zangs - Prix Europe de la peinture 1962
• 1969 Nueva York, USA, Center Art Gallery
• 1975 París, Frankreich, Galerie Stevenson & Palluel, Herbert Zangs - œuvres blanches des années 50
• 1978 Wiesbaden, Alemania, Museum Wiesbaden, Herbert Zangs – Verweißungen
• 1978 Mannheim, Alemania, Mannheimer Kunstverein, Herbert Zangs - Verweißungen
• 1985 Hannover, Alemania, Sprengel-Museum, Herbert Zangs - Arbeiten 1952-1962
• 1994 Marl, Alemania, Skulpturenmuseum Glaskasten, Herbert Zangs zum 70. Geburststag - Ein „enfant terrible“ wird weise ?
• 1995 París, Frankreich, Fondation Cartier pour l'art contemporain, Herbert Zangs - œuvres 1952-1959
• 1997 Düren, Alemania, Leopold Hoesch-Museum, Konfrontation weiß 50er-70er
• 1998 Freiburg, Alemania, Museum für neue Kunst, Zangs - Retrospektive
• 1998 Heidelberg, Alemania, Kunstverein, Zangs - Retrospektive
• 2001 Jena, Alemania, Jenaer Kunstverein e. V., Herbert Zangs - Form und Struktur, dynamisch-rhyth misch, Malerei und Skulptur
• 2004 Düsseldorf, Alemania, fiftyfifty Galerie, Ausstellung zum 80sten Geburtstag von Herbert Zangs - Struktur Material Farbe - Kuratorin: Dr. Doris Krystof Kunstsammlung NRW
• 2004 Münster, Alemania, Westfälisches Landesmuseum, Herbert Zangs: Frühe Objektverweißungen 1952/54
• 2006 Izmir, Turquía, Goethe-Institut, Französisches Kulturzentrum
• 2007 Vaduz, Liechtenstein, Kunstmuseum Liechtenstein, Joseph Beuys / Herbert Zangs: Die Fünfziger Jahre
• 2007 París, Musée Zadkine, Accrochage Herbert Zangs de 1953 à 1954
• 2008 Viersen, Alemania, Städtische Galerie im Park, Phänomen - Herbert Zangs, Werke von 1947 - 2003

JUAN GENOVÉS

Juan Genovés (nacido el 31 de mayo de 1930 en Valencia) es un pintor y artista gráfico español.

Formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un pintor inquieto y preocupado tanto por la necesidad de renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la sociedad. Su firme convicción sobre el arte transformador y comprometido con el entorno le llevó a formar parte de colectivos muy significativos en el panorama español de postguerra: Los Siete (1949), Parpalló (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, que supuso nuevos planteamientos figurativos frente al Informalismo, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocador. En la década de los sesenta, tras una breve crisis pictórica y una relación profunda con los movimientos de oposición al régimen franquista, comenzó a plantear dos temas: el "individuo solo", resuelto inicialmente como un "collage" en relieve, y la "multitud", tratado con tintas planas y estructuras plásticas de aspecto cinematográfico.

Esta última propuesta se concretará con el tiempo en un singular realismo político de fuerte denuncia social, confeccionado a partir de la manipulación de imágenes proporcionadas por los medios de comunicación de masas. En los años ochenta inició un nuevo periodo en el que se interesó por el paisaje urbano, reduciéndolo a una gama cromática de grises, azules y ocres que constituyen lo que se ha dado en llamar "espacios de la soledad".

Ha sido galardonado con la Mención de Honor (XXXIII Biennale de Venecia, 1966), la Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San Marino, 1967), el Premio Marzotto Internazionale (1968), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Ministerio de Cultura (2005).

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Colecciones y Museos

Alemania

Nationalgalerie, Staatlische Museen de Berlín

Neue Galerie der Stadt, Aquisgrán

Kulturministerium Badem-Württemberg, Stuttgart

Museum fur Moderne Kunst, Fráncfort del Meno

África

South African National Gallery, Ciudad del Cabo

Museo de Arte de Pretoria

Museo Internacional Arte Contemporáneo, Guinea

Australia

Power Gallerie of Contemporary Art, Sídney

Austria

Museum Modern Kunst, Viena

Bélgica

Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas

Brasil

Museu de Arte Moderno, Río de Janeiro

Canadá

Montreal Museum of Fine Arts

Chile

Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago de Chile.

Colombia

Museo de Arte Moderno, Bogotá

Cuba

Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana

España

AENA, Madrid

Asamblea de Madrid

Colección Amigos del Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Colección Argentaria, Madrid

Colección de Arte del Siglo XX, Alicante

Colección Bancaixa, Valencia

Colección La Caixa, Barcelona

Colección Caixa d`Estalvis, Valencia

Colección Caja Madrid, Madrid

Colección Caja Murcia

Colección Generalitat Valenciana, Valencia

Congreso de los Diputados, Madrid

Fundación Juan March, Madrid

Fundación Aena.

Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia (IVAM)

Instituto Cultural Juan Gil Albert, Alicante

Museo Municipal, Madrid

Museo de Bellas Artes de Álava

Museo de Bellas Artes de Valencia

Museo de Arte Contemporáneo de Villafamés, Castellón

Museu d`Elx

Museo del Ayuntamiento de Valencia

Museo de Cuenca

Museo de Arte Contemporáneo de Ayllón, Segovia

Museo de Arte Contemporáneo de Cáceres

Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, Valladolid

Museo d`Art Contemporany dels Països Catalans, Banyoles

Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, A Coruña

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (M.N.C.A.R.S.), Madrid

Museo de Santa Cruz de Toledo

Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Artium), Vitoria.

Palacio de la Moncloa, Madrid

Patrimonio Nacional del Estado Español, Madrid

Fundación Caja de Granada

Finlandia

Taidehalle Ateneum, Helsinki

Francia

Centre National d`Art Contemporain, París

Holanda

Museum Boymans-van Beuningen, Rotterdam

Inglaterra

Sainsbury Center for the Visual Arts, Norwich

Israel

The Israel Museum, Jerusalén

Italia

Galeria Nazionale d`Arte Moderna, Roma

Japón

Museo de Arte, Nagasaky

México

Museo de Arte Moderno, México D.F.

Museo Rufino Tamayo, D.F.

Nicaragua

Museo de Arte Contemporáneo, Managua

Museo Itinerante

Polonia

Muzeum Lódz

Muzeum Narodowum, Wroclawiu

Suiza

Collezione Thyssen-Bornemisza, Castagnola

U.S.A.

Arkansas Arts Center, MacArthur Park, Little Rock, Arkansas

Museum of Modern Art (MOMA), Nueva York

Guggenheim Museum, Nueva York

Chase Manhattan Bank, Nueva York

The Art Institute of Chicago

Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington

The Philips Industries Collection, Dayton, Ohio

Andrew Dixon White Museum, Ithaca

Minneapolis Institute of Arts

Worcester Art Museum

The Nelson-Atkins Museum of Art, Missouri

Ohio University College of Fine Arts, Athens

Madison Art Center, Madison, Wisconsin

Venezuela

Museo de Bellas Artes de Caracas

Obra Pública

2003 El Abrazo. Plaza de Antón Martín. Ayuntamiento de Madrid.

Premios

1950 Medalla de Oro, IX Exposición Arte Universitario, Valencia

Primer Premio Nacional del SEU; Exposición Arte Universitario, Madrid

1951 Pensionado de la Diputación Provincial de Valencia en la especialidad de <Figura>; duración: 2 años

Beca de Pintura (Paisaje) Residencia Oficial "El Paular" y Segovia; Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia; duración: 3 meses

1953 Primer Premio de Pintura; X Exposición Nacional del Frente de Juventudes, Círculo de Bellas Artes, Madrid: Taller de ceramistas (1953)

Medalla conmemorativa; seleccionado a partir de la II Bienal del Reino de Valencia para la Bienal Hispanoamericana; Instituto Iberoamericano de Valencia: Mercadillo (1953)

1954 Medalla de Plata; III Concurso Nacional de Pintura, Alicante
1955 Medalla de Plata; IV Concurso Nacional de Pintura Diputación Provincial de Alicante

Primer Premio; Concurso "Norteamérica vista por pintores españoles", Casa Americana de Valencia: En cada puerto... (c. 1955)

Primer Premio; XV Salón del Círculo de Bellas Artes, Madrid

1956 Premio; II Bienal de Barcelona: Tiovivo (1953)
1966 Mención de Honor; XXXIII Biennale de Venezia
1967 Medalla de Oro; VI Biennale Internazionale d'Arte República San Marino, sección "L'immagine fotográfica": Agrupamiento (1966)
1968 Premio Internazionale Marzotto
1984 Premio Nacional de Artes Plásticas
2002 Artista Invitado a Premios Vadepeñas 2000; Centro Cultural Cecilio Miñoz. Fillol, Valdepeñas, Ciudad Real.
2001 Mejor Individual de Artista Extranjero en el año 2000 por "Secuencias y Sueños" presentada en el Museo de Arte Moderno; ADCA, Asociación Dominicana de Críticos de Arte, Inc.
2002 Premio de las Artes Plásticas de la Generalidad Valenciana
2005 Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes

ALCOLEA CARLOS GARCÍA

ALCOLEA,CARLOS GARCÍA  [A Coruña 1949 - Madrid, 1992]    

Carlos García Alcolea, luminaria de fugaz existencia física por su temprenísima muerte, mas de perdurable huella por su obra, es conocido internacionalmente por su nombre de pila y su segundo apellido. Nacido en A Coruña, en el seno de una familia acomodada que tiene seis hijos, vive desde niño un ambiente cultural, con gran afición a la música, que auspicia su tío, el crítico Fernández Cid, quien le presentará al compositor y director Ataulfe Argenta. La profesión paterna lleva a la familia a Cádiz, donde el futuro pintor inicia sus estudios. Una grave enfermedad le obliga a permanecer largo tiempo en cama, que aprovecha para leer incansablemente a los grandes autores. En 1967 se instala en Madrid, para cursar la carrera de Derecho, y ve las primeras pinturas informalistas en la galería de Juana Mordó. Un año más tarde pinta su primer cuadro, entre expresionista y abstracto. Pasa el verano en Bretaña y visita París, interesándose más por la pintura. Conoce al pintor Luis Gordillo, asiste asiduamente al teatro y hace sus primeros "collages". Lee repetidamente a Marx, se interesa por Genet y visita la exposición de Giacometti en París. Admira a David Hockney. En 1970 pinta Piscina, tema recurrente en su obra. Es lector incansable de monografías de arte. En 1971 realiza en Madrid su primera exposición individual. Hace amistad con Pérez Villalta y otros pintores jóvenes. Trabaja con Juan Manuel Bonet, después director del IVAM de Valencia y del Museo Reina Sofía de Madrid. Participa en diversas muestras colectivas, y a finales de 1974 viaja a Nueva York, donde permanece algún tiempo. A su regreso expone con su colega Carlos France en Madrid. Viaja a Buenos Aires en 1976, y al año siguiente retorna a Paris, con motivo de la inauguración del Centro Pompidou. En 1978 está en Italia, donde asiste a festivales de música y visita la Bienal de Venecia. Han proseguido sus exposiciones individuales, hasta que en el año 1980 tiene el reconocimiento de una retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Publica el libro "Aprender a Nadar". Expone en Canarias y en Murcia. Bonet escribe textos sobre la pintura de este sorprendente artista. Continúa viajando por medio mundo y leyendo incansablemente literatura marxista y psiquiátrica. Le mima la crítica más exigente y es un personaje destacado en ambientes artísticos de élite. En 1989 pinta su cuadro "Finisterre", único en su obra relacionado con su ciudad natal. Se editan carpetas y libros con sus dibujos. Su insuficiencia respiratoria se agrava. En septiembre de 1992 es ingresado en una clínica madrileña, con una complicación hepática. Fallece el día 20 de dicho mes, sin llegar a cumplir los 45 años. A título póstumo recibirá el premio nacional de Artes Plásticas, pocos días después de su entierro. Su fama crece extraordinariamente. Museos y colecciones importantes se disputan su escasa obra. El Museo Nacional Centro Reina Sofía le dedica una exposición antológica en 1998, y otra, al final de este mismo año, el Centro Galego de Arte Contemporánea, en Compostela. La galería VGO de Vigo acoge una breve muestra de Alcolea en 2001. También la fundación Argentaria le incluye en su colectiva "El color de las Vanguardias". Alcolea es un artista dificilmente calificable. De raíz expresionista, sintetiza el barroquismo de ese movimiento eminentemente germano en una pintura casi plana, deliberadamente desmañada, cargada de ironía. Cierto geometrismo preside sus composiciones, a veces por completo informalistas y siempre intensamente abstractivas. Absorbe peculiaridades de múltiples pintores, comenzando por su amigo Gordillo, y al fin hace suyo cuanto coge. No es rara la alusión al "comic". Amplias zonas uniformes, contrastantes, en verdes, azules, amarillos, perfectamente recortadas como si fuera un "collage", aparecen en sus cuadros, con frecuencia de gran formato. Líneas mórbidas, caprichosas, se inscriben en fondos neutros. Absolutamente anticonvencional, sorprendente, Alcolea es un artista personalísimo, de excepcional apriecio internacional.

BIBLIOGRAFIA

González García, Angel: Carlos Alcolea. Madrid,

Museo Reina Sofía. 1998. Bonet, J.M.: Carlos Alcolea. Materiales para una biografía.

Compostela. C.G:A.C, 1998. VV.AA. : El color de las vanguardias.

Madrid, Fundación Argentaria, 1993.

VV.AA.: Arte en España, 1918 - 1994, en la colección de Arte Contemporáneo. Madrid, Alianza Edit, 1994.

VV.AA.: Diccionario de Pintores y Escultores españoles del siglo XX. Vol. 5. Madrid, Edit. Forum Artis, 1994. Delarge, Jean - Pierre: Dictionnaire des Arts Plastiques modernes et contemporains. París, Edit. Gründ, 2001.

Bonet Correa, Antonio: Figuracións. Compostela, Xunta de Galicia. 1996.

Pilar Cocero de Corvera

Pilar Cocero, nace en Madrid, España. Su abuelo materno, alabardero, daba escolta a los Reyes de España, razón por la que su madre pasaba muchos veranos en el Real Sitio donde conoce a Enrique Cocero Domínguez, natural de la Granja, con el que habría de casarse. Viven en Madrid, y con la llegada de los hijos, vuelven los veranos granjeños después de comprar “Villa Alicia”.La última morada de algunos de sus familiares se encuentra en San Ildefonso.

Pilar Cocero frecuenta la granja desde 1.950, y regresa a ella siempre que se lo permiten sus actividades profesionales tanto en Europa como en otros continentes. Aunque nacida en Madrid, siempre se ha sentido muy unida a la Granja y Segovia, y sigue en la actualidad haciendo, siempre que puede, sus recorridos sentimentales por estas tierras, tan queridas para ella. Es, sobre cualquier otra ocupación de las muchas que ha tenido y tiene, pintora y esmaltístas. Su formación académica la inicia en diversos Centros de Madrid (1.963-1.964),en la escuela de Fomento, para estudiar Secretariado. Al mismo tiempo (1.963-1.965) realiza Peritaje Mercantil en la Escuela Superior de Comercio; 1.963-1.964,curso de contabilidad en la Escuela Superior de Comercio. En 1.965-1.968, realiza los cursos de Puericultura enla Escuela Nacional de Puericultura (Ministerio de Sanidad).Obtiene la licenciatura en Genealogía y Heráldica (1.985-1.987) por el Consejo Superior de Investigaciones Científicas; Instituto Luis de Salazar y Castro, y obtiene el titulo(1.979) de Auxiliar de Clínica por la Facultad de Medicina y entre1.988-1.991) obtiene la Diplomatura en Comercio Exterior, Ministerio de Industria y Energía de Madrid. Su formación artística se inicia en 1.960-1.962 con un curso de Arte y Decoración y un curso de Dibujo y Carboncillo (1.961-1.963) en la Escuela Montelarde Madrid; sigue un curso de Modeladoy Pintura (1.967-1.968), en la Escuela de Miami. (2.000).Cámara Oficial de Comercio e Industria de Madrid y Caja Madrid, siendo el último en el Museo de la Ciudad. Consigue en el año 1.988, la concesión de una Subvención del ICEX (Instituto de Comercio Exterior) de 19 Bolsas den Viaje, para la Exposición Mecoart, en San Francisco California. Comenzará además una intensa labor de investigación en las posibilidades artísticas y plásticas del esmalte, hasta llegar a alcanzar un asombroso grado de similitud con este a base de utilizar pintura al óleo o acrílica sobre una gran variedad de soportes, que abarcan desde la tela a las planchas metálicas.

Artes y Oficios de Madrid. Cursos de Reciclaje (1987-1.996). Escola Villardell, Escola Massana y Escuela de Artes y Oficios, Barcelona y Madrid, Jornadas de Diseño y Artesanía (1.992-1.998) Ministerio de Industria y Energía. Junta de Andalucía; Certificate 2ª Bienal Nacional de Lart de L’Esmalte (1.997) Barcelona, Certificate of Special Wirtz Gallery.

Se especializa en el Arte del Esmalte en la Madrileña Escuela de la Moncloa. A raíz de esto llegará a la presidencia de la Asociación Española de Esmaltístas Madrileños que funda en el año 1.982 a nivel Nacional, creando mas tarde a nivel Internacional (1.983) la Asociación Española de Esmaltístas, desde la que impulsará enormemente esta poca conocida técnica. Y en el año 1.983 cra los Salones Internacionales del Esmalte, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid,

Con esto conseguirá introducir la estética y los acabados propios del esmalte en su obra pictórica. A finales de la década de los 90, Pilar Cocero, con su espíritu inquieto quiso dar una vuelta de tuerca en su investigación plástica, y no descansó hasta lograr similares calidades cromáticas a las del esmalte en otros soportes como tela, aluminio, cobre o madera, y otros pigmentos como el óleo o el acrílico. Los resultados no se hicieron esperar y fueron satisfactorios. Eso le hizo plasmar su trabajo en formatos mas amplios hasta poder conformar polípticos y murales de gran envergadura. Seguramente su estancia en los Estados Unidos de Norteamérica la llevó a ampliar el tamaño de sus piezas, fenómeno frecuente en los artistas europeos, tocados siempre por el “Síndrome de Nueva York”. La paleta cromática de la autora es ambiciosa y recorre todos los registros desde los colores fríos de las aguas hasta los calientes rojizos, ocres y siena de la tierra, pasando por los amarillos y cobrizos de los minerales..Son los cuatroelementos que parecen darse cita en su obra. Agua, Fuego, Tierra y Aire. Paisajes abismales, espaciales, astrales y fantasmagóricos. Formas que duermen bajo manchas corrosivas de sombra y misterio; un perfil de mujer que se siluetea. según decía Fernando Zóbel, fundador del Museo de Arte Abstracto de Cuenca,”debajo de la abstracción late la realidad de un paisaje, de una visión, de unas emociones o de unos sentimientos.

Pilar Cocero, pintora y esmaltísta, cuenta con numerosos premios y menciones honorificas, destacándose entre ellos el galardón por su labor artística y el premio Adward of Excellence” en la 87 Exhibition International “Enamelling Art” en The Royal Mueum de Tokio, Japon, así como el Premio Anual de la Crítica a las Artes Plásticas “Medalla de Oro Eugenio D’ORS” Instituido por Federico Serrano Oriol. Año 1.988. Distinguished Visitor. Miami. Florida. 2.000. Certificatión Nakako Yamamoto. 96 International Exhibition of Enamelling Art Japón. 1.996 Award of Excellent. International Exhibitión of Enamelling Art The Royal Museum. (1.987) Certificatión Daizoh Nis Bide Charmain Fijation.The UENO Museum.(1.987) Tha National Museum of Women in the Arts Picture. Frededom. Washington. USA.1.997. Certificate of Appreciatión Piag Museum.Miami.1.998 Miami Dade Police. Suset Severdade. Certificate of

Obras en museos y colecciones:

- Universidad Popular, Vigo

- Casino de la Unión, Segovia

- Caja Madrid, Madrid

- Fundación Contemporary Art Mecoart, San Francisco - USA
- Caja Postal de Ahorros, Santiago de Compostela
- Caja Madrid, Zaragoza
- Ayuntamiento de La Coruña
- Fundación Star Kings, New York - USA
- Consulado de España en Ginebra - Suiza
- Caja de Ahorros, Pamplona
- Diputación Provincial de Bilbao
- Fundación Nuevo Futuro, Madrid
- Colección privada de S. M. la Reina Doña Fabiola de Bélgica
- Colección privada de S. M. la Reina Doña Sofía de España
- Museo "UENO", Tokyo - Japón
- National Museum of Tokyo - Japón
- Museo "Enamelling Art", Sakai Musashino, Tokyo - Japón
- National Museum of Women in The Arts, Washington - USA
- Colección de la Embajada de España, Washington - USA
- Colección privada de los Sres. Clinton , Washington - USA
- The National Museum of Fort Lauderdale, Florida - USA
- The National Museum of Patterson, New Jersey - USA
- The National Museum of Patterson, New York - USA
- Mapfre Vida Madrid
- Museum Sakai Musashino. Shi - Japón
- Museum Queens. New York - USA
- Fundatión Contemporary Art Meciart, San Francisco, California. USA

1987/88/1999 - Diplomas de Comercio Exterior, Ministerio de Industria y Energía de la Dirección General de la Pequeña y Mediana Empresa
2000 - Distinguished Visitor. Miami Florida USA
2003 - Piag Museum. Certificate Of Appreciatión
2005 - Miami Dade Police. Suset Serdade
2007 / 2008 - Jurado Premios Pintura. Ayuntamiento de Pozuelo - Asociación de Mujeres en Igualdad
Certificación de las Primeras Jornadas de Diseño en Artesania. Ministerio de Industria y Energia. Dirección General de la Pequeña y Mediana Empresa. Madrid - España

Apreciatión.2005 Accessit Convocatoria Premios Asociación Aires de Córdoba. 2008 Certificatión Apreciatión WITZ Gallery.Miami.2006 Certification Accessit Premios Barcelona. 2001

Cuenta con un sinfín de exposiciones individuales y colectivas: Francia Alemania, Canadá. Bélgica, Venezuela, Italia, EE.UU, Suiza. Israel, Méjico, China, Portugal, Inglaterra, Japón. Colombia. Argentina. España.

Eduardo Urculo

Urculo - Eduardo Úrculo. Nace en Santurce en 1938 y se traslada a Asturias con su familia en 1940, tierra con la que siempre siguió vinculado. Expone por primera vez en 1957 en La Felguera (Asturias) animado por el gran filósofo y experto en arte Pedro Caravia (me dio clases de Filosofía en el Instituto Alfonso II de Oviedo, donde estudié preuniversitario en los años 60) y Jesús Villa.

Comienza a dibujar comics para el suplemento dominical del periódico asturiano La Nueva España en 1957. Le dan una beca en el ayuntamiento de Langreo y se traslada a Madrid a estudiar dibujo en el Circulo de Bellas Artes, donde inicia, en 1958, su época de expresionismo social.

En el 59, se traslada a París a estudiar arte en la Academie de la Grande Chaumière de Montparnasse. En París expone su obra Mineros de Asturias.

En 1959, conoce a Jesús Díaz Zuco, con quien comparte un estudio en Oviedo y juntos realizan varios trabajos entre los que destaca un mosaico en gresitte de 35 metros cuadrados para la empresa Alsa. En el 59, participa en una exposición colectiva al aire libre, celebrada en La Escandalera de Oviedo por el grupo La Estrada en la que participan también María Antonia Salomé, Merche Gómez Morán, Jesús Díaz y Adolfo Bartholomé.

En el 60, hace la mili en El Aium, se traslada a Canarias, conoce a Eduardo Westerdahl y hace pintura abstracta. El doctor Parejo le cede un taller para pintar en el manicomio provincial de Tenerife. En el 61, expone en Marbella y conoce a Juan Cocteau, y también participa en la muestra Testimonios del arte abstracto² organizada por Eduardo Westerdahl en el Circulo de Bellas Artes de Tenerife.

En el 61, de vuelta a Madrid trabaja en la sección de fimlets de los estudios Moro. En el 61, viaja a París y coincide con Maud y Westerdahl y en una exposición de Tal Coat en la galería Maeggth conoce a Giacometti, Man Ray y Max Ernst. En el 63, expone en la Galeria Quixote y de vuelta a Madrid hace ilustraciones para cuentos que se publican en la revista Triunfo y la escenografía de la obra teatral de Lauro Olmo La Camisa que estrena en Gijón el grupo de cámara La Mascara.

En el 65, vive la crisis de su pintura negra o social y en el verano se traslada a Ibiza. En el 67, expone e Copenhague, viaja a Alemania, Dinamarca y Suecia y tiene sus primeros contactos con el pop-art americano y expone en San Francisco y mas tarde en Oviedo(en Benedet). En el 68, participa en la Primera Bienal de la pintura asturiana celebrada en Gijón. Vuelve a Madrid en el 68. En el 69, expone en Frankfurt y en Altamira de Gijón; participa en la muestra colectiva Figurative painters in Spain Today que recorre los Estados Unidos. En el 70, en la Galería Ivan Spence expone junto a su gran amigo Eduardo Sanz y Alberto Gómez; en este año, la obra con la que participa en la Bienal Hispanoamericana de arte, es retirada en Medellin-Colombia por atentar contra la moral y las buenas costumbres.

En el 70, Visconti que rueda en Venecia Muerte en Venecia adquiere dos de sus cuadros, después de participar (Úrculo) en la XXV Bienal internacional de arte en Venecia. En dicho año, 1970, expone en el Museo de arte contemporáneo español de Madrid, y su catalogo editado por el Ministerio de Educación y Ciencia es secuestrado por orden ministerial el día de la inauguración. Oficialmente se hace constar como agotado. En dicha fechas se encierra con otros artistas para pedir la libertad del critico de arte Moreno Galván (Ilustraciones de Úrculo salen también en la famosa revista de oposición al franquismo editada en París Cuadernos de Ruedo Ibérico).

En el 71, participa en la exposición colectiva de obra gráfica El arte sobre el papel en España, que se presenta sucesivamente en Colombia, Panamá, Perú, Chile, Argentina, Uruguay y Brasil; el mismo año expone en la Galería Tassili de Oviedo. En el 71, participa en la exposición colectiva Eros y el arte actual en España. En el 72, participa en la exposición colectiva de homenaje a Picasso La paloma celebrada en la galería Vandres en Madrid; vuelve a participar en otra exposición colectiva que se le hace a este gran pintor español en la Galeria Kreisler de Madrid un año mas tarde; en el 72, Luis Revenga ruede un cortometraje titulado Stars en el que intervienen Cuixart, Cillero y Úrculo.

En el 72, participa en la exposición homenaje a José Lluis Sart organizada por el colegio de Arquitectos de Tenerife y conoce a Joan Miro. En el 72, en Madrid conoce a Salvador Dali y Amanda Lear.

En el 73, participa en la exposición colectiva de homenaje a Miro celebrada en la Galería Temps en Valencia; viaja por Marruecos y el Sahara occidental durante tres meses. En el 74, expone en Barcelona y Madrid ³sus pinturas del día y de la noche, es su época de los cuerpos azules. En el 74, recorre el Camino de Santiago, partiendo de Jaca.

En el 75, Revenga rueda un cortometraje titulado Habitarte sobre la obra y la vida de Isabel Villar, Eduardo Sanz, Juan Barjola, Cruz Marcos y Eduardo Úrculo. En el 75, aparece la vaca como temática central de su pintura. En el 75, expone en Oviedo(Tassili). En el 75, nace su hijo Yoann. En el 76, participa en la I Bienal nacional de arte Ciudad de Oviedo.

En el 77, celebra en la Galería Multitud de Madrid la exposición Campo de estrellas y con este motivo realiza una carpeta con nueve serigrafías en las que altera con un poco de libido ciertos monumentos de Madrid, con la excepción de los de carácter mitológico. Camilo José Cela escribe para esta carpeta el texto De culis monumentalibus (culos que mas adelante transformara en grandes estatuas que coloca en varias ciudades, donde también se han colocado otras obras suyas: Oviedo, Villaviciosa, Madrid, etc.).

En el 77, participa en la exposición colectiva Pintura contemporánea de España, presentada en La Habana; Fernando Trueba realiza un cortometraje titulado Urculo. En el 78, participa en la exposición colectiva Arte español contemporáneo 1900-1978² en Taipei y Teheran, en esta ciudad la exposición es retirada por la toma del poder en Irán por el ayatola Jomeini. En el 78, viaja a Bangkok, Hong-Kong y Taiwan. En el 78, realiza la escenografía y diseña los vestuarios para la obra Las bacantes de Euripides en versión de Fernando Savater y dirigida por J. M. Moreda para el festival del teatro clásico que se celebra en el teatro romano de Mérida. En el 79, comienza sus bodegones frutales. En el 80, se instala durante el verano en Francia.

En el 81, participa en la exposición Panorama 81 del arte asturiano de la Caja de Ahorros de Asturias y celebrada en el Circulo de Bellas Artes de Madrid. En el 81, conoce a Limdsay Kemps en Valladolid. En el 82, expone en las galerías de la Caja de Ahorros de Asturias en Oviedo, Gijón, Aviles, Mieres, La Felguera y Sama de Langreo; en este año participa en la Bienal internacional del deporte en las Bellas Artes que se celebra en el palacio de Velázquez del Retiro en Madrid y es invitado al festival internacional de la pintura que tiene lugar en el Chateau Museo Grimaldi en Francia.

En el 82, su pintura cambia de técnica y temática y se hace mas intimista y melancólica. Posteriormente vendrían sus épocas de: sombreros, maletas, paraguas, tumbonas, chaquetas, zapatos, etc.; sus esculturas; Nueva York; las geishas, la moda; sin olvidar las naturalezas muertas, el cristal, etc., hasta llegar a una ultima visión figurativa y colorista del cubismo, de este gran interprete del barroco español. Estamos ante un artista donde el hombre, sus sentidos, miradas, objetos y representaciones, abre su espacio interior al máximo de experiencias y emociones y se propone, a través del arte, retratar sensualmente el mundo, la vida, las pasiones y la naturaleza en la que se desenvuelve.

Murió en Madrid el 31 de Marzo de 2003, con las botas puestas en un acto cultural, nada mas y nada menos que en la Residencia de Estudiantes, recién llegado de una gran exposición antológica suya por China y Asia patrocinada por la Reina Sofía dentro del programa Arte español para el exterior, y donde antes se había expuesto la obra de Picasso, Miró y Dalí, artistas tan queridos por Úrculo.

Estaba preparando con gran ilusión una gran exposición para Nueva York en julio 03, lo que consideraba el sueño de su vida. Su obra esta en los principales y mas internacionales museos de artes contemporáneo y ha expuesto en las principales ciudades del mundo.

Luis Fega

Pintor español. De formación autodidacta, expone por primera vez en 1976 en el Círculo Mercantil de Santiago de Compostela. En 1983 obtiene una beca para artistas jóvenes del Ministerio de Cultura y en 1987 otra del Principado de Asturias. En los años ochenta sus pinturas se articulan mediante sobrias formas y un apagado cromatismo, como vemos en la serie Arquitecturas antiguas, fruto del recuerdo de las construcciones prerrománicas de su tierra. La temática de su obra es muy variada: desde paisajes, principalmente del norte y centro de España, hasta los asuntos mitológicos, pasando por las citadas arquitectura antiguas, cabezas... realizados todos ellos con la peculiar gama sombría que le identifica. Evoluciona hacia una mayor depuración de las formas y las composiciones, en las que ahora predominan los tonos ocres. Ha participado en las ediciones de Arco de 1988, 90 y 91 así como en numerosas exposiciones colectivas, entre las que cabe citar “VI Salón de los 16” (1986) en el Museo Español de Arte Contemporaneo.

Durante los últimos años, Luis Fega, como en una traducción tridimensional del carácter compartimentado, estructurado y violado de sus composiciones, ha procedido al desarrollo particular de una cierta forma de bricolaje. Si la pintura es el espacio privilegiado de la experimentación de Fega, sus recientes investigaciones plásticas le han conducido al trabajo en tres dimensiones, para el que se sirve de fragmentos de materiales heterogéneos que ensambla y sobre los que finalmente se pronuncia con sus brochas. Esto le permite afirmar tridimensionalmente la forma de estructurar sus composiciones pictóricas. Si bien anunciada con una pequeña serie de ensamblajes de reducidas dimensiones que presentó en una exposición madrileña en 2002 (en la galería May Moré), el desarrollo de esta práctica alcanzó unas peculiaridades sobresalientes en un cuerpo de obras que denominó “todo es parte” y que presentó en abril de 2003 en una exposición homónima. Acaso la característica más notable sea que para sus obras Fega se sirvió únicamente de los materiales que encontró en el interior de las dependencias del espacio en el que la obra se iba a exponer (Centro Municipal de Cultura de Alcorcón, Madrid), una práctica que ha realizado, por ejemplo, habitualmente para sus instalaciones el artista alemán Reinhard Mucha (Dusseldorf, 1950), quien configura enormes esculturas mediante el ensamblaje del mobiliario y otros materiales recolectados del interior de las mismas sedes en que se expondrán sus obras. Luis Fega trabajó en estos ensamblajes durante diecisiete días. Una tarea que le llevó a romper la bidimensionalidad del soporte para exceder los límites de su reflexión sobre los propios límites. Si, como anunciaba el título de la exposición, “todo es parte”, nada basta. Los materiales de los que se valió para su afirmación creativa constituían fragmentos, desechos de madera, telas y cristales satinados, traslúcidos, que no transparentes, que empleaba al modo de las veladuras que abundan en su pintura. Mediante aquellas ruinas, Fega se rendía a las particularidades de una biografía. Un encuentro, una alteridad que sólo, como siempre, es penetrable desde la humildad. “El tiempo hace las funciones de un ayudante de taller, con la ventaja añadida de que en vez de trabajar como aprendiz, lo hace como maestro”, afirmó Luis Fega al respecto. La sencillez y la sensibilidad de esta declaración servirían por sí solas para disipar la ilusión de impostura alguna en la obra de este maestro.

CEESEPE, medalla de Bellas Artes 2011

CEESEPE medalla de oro de las Bellas Artes 2011

Nuestra mas ferviente enhorabuena a este Grandioso Artista con el que empezamos el blog.

Un valor en Alza sin duda.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Alejandro/Sanz/Marcos/Ana/torero/Joselito/Forges/medallas/Bellas/Artes/elpepucul/20110408elpepucul_8/Tes

Pablo Palazuelo

Pablo Palazuelo de la Peña (Madrid, 6 de octubre de 1916 - Galapagar, Madrid; 3 de octubre de 2007); pintor, grabador y escultor español. Palazuelo fue una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX.

En 1932 inicia la preparación para el ingreso en la Escuela de Arquitectura de Madrid aunque será finalmente en Londres en 1933 cuando comience a estudiar arquitectura (School Of Arts and Crafts de la Universidad de Oxford). A partir de 1939 se dedica solamente a la pintura. En 1945 concurre con un retrato a la Exposición Nacional de Bellas Artes, en estos años participa también en otros Certámenes Nacionales. Comienza a realizar sus primeros dibujos abstractos en 1947. Participa en una exposición “Joven escuela Madrileña” en la Galería Buchholdz. En 1948 el Instituto Francés le ofrece una beca para estudiar en Francia.

Este mismo año expone en la Galería Denise Rene de Paris lo que va a suponer un gran empuje a la difusión de su obra. En 1949 comienza su relación con la Galería Maeght entrando en la nómina de esta prestigiosa galería una de las más importantes del mundo, donde expondrá de manera continuada hasta los años 80. En 1950 empieza su relación de amistad con Eduardo Chillida. Ese mismo año expone en el Museo de Toronto.

1955 destaca en su biografía como el año en que celebra su primera exposición individual en la Galería Maeght y es invitado a participar en el Certamen Carnegie de Pittsburg.

Colabora con diversos números de la revista de artes Derrière le Miroir. En 1961 retoma la escultura. En 1964 participa en una exposición en la sala Juana Mordó de Madrid y continúa enviando obras a los certámenes del Carnegie Institute of Art de Pittsburg.

En 1974 se instala en Monroy, en un castillo, cerca de Cáceres. En los siguientes años sus exposiciones se van haciendo más habituales en España (Galería Theo Madrid), Barcelona (Galería Maeght) y Paris (Galería Maeght) y finalmente en 1981 se presenta la monografía sobre su obra editada por Maeght realizada en colaboración con Claude Esteban.

Sus esculturas ocupan un mayor espacio dentro de su obra (Arquitectura I) la serie Lauda. Comienza a participar en los certámenes Arco de Madrid de mano de la Galería Maeght-Lelong.

En 2006 - 2007 se exhibe una amplia retrospectiva de su obra en el Museo Macba de Barcelona y en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Palazuelo falleció el 3 de octubre de 2007 a los 90 años de edad en su casa ubicada en Galapagar (Madrid).

La obra de Palazuelo no ha recibido el reconocimiento internacional esperado y las razones de este desconocimiento son diversas, pero sobre todo es fruto de una concepción dominante de la abstracción excesivamente lineal, que arranca con las experiencias postimpresionistas en el tránsito hacia el siglo XX y que en los años sesenta logra sus últimas consecuencias con el minimalismo. Según esta articulación de carácter teológico, la abstracción es la culminación de los principios de anatomía y de pura visualidad propias del arte. La hegemonía indiscutida de este discurso ha hecho que otro tipo de prácticas y de estéticas que, pese a estar situadas dentro del arte moderno han interiorizado sus principios de manera heterodoxa, hayan estado parcialmente ignoradas.

Palazuelo concibe el arte como un «un camino para dar salida a los problemas humanos». Sus referencias a la historia de la pintura son continuas, y es especialmente importante la influencia en su trabajo de la noción de línea derivada de la obra de Klee, que supone una auténtica revelación para él. También reivindica a sus inicios su interés por constructivistas rusos como Gabo y Pevsner, aun cuando rehúsa su concepción científica de la geometría. La obra de Palazuelo ha sido clasificada por la historiografía de los últimos treinta años como una abstracción de tipo idealista, muy vinculada a corrientes de espiritualidad y a una concepción sagrada del artista y de su obra. Pese a que Palazuelo se nutre de corrientes de pensamiento vinculadas al esoterismo, la cábala y la filosofía y el pensamiento orientales, también es cierto que por las matemáticas, la física y el pensamiento científico son fundamentales su trabajo. El desarrollo de la abstracción y el uso de la geometría en su obra están íntimamente ligados a un proceso racional basado en el descubrimiento - no invención- de nuevas formas. Esta descubierta constante que guía su trabajo se traduce en una tensión manifestada a través de las variaciones interminables de las formas.

Museos y exposiciones

• 1967 - expone en Berlin, Baden-Baden, Madrid.
• 1956 - Expone en la Galería Beyeler.
• 1973 - expone por primera vez en Madrid en la Galería Iolas Velasco.
• 1992 - Envía la serie de cuatro lienzos “Nigredo” al Pabellón Español de la Exposición Universal de Sevilla.
• 1995 - Exposición retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
• 2005 - Su obra participa en la exposición Modelos Estructuras y Forma en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.
• Artium, Centro Museo de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz
• Carnegie Museum of Art, Pittsburg
• Colección Arte Contemporáneo Fundación La Caixa, Barcelona
• Fundación Juan March, Madrid
• Kunsthaus de Zurich, Zurich
• Museo de Arte Abstracto, Cuenca
• Museo de Arte Moderno, Rio de Janeiro
• Museo de Arte Moderno de la Villa de París
• Museo de Bellas Artes de la Chaux de Fonds, Suiza
• Museo Fundación Maeght, Saint-Paul-de-Vence, Francia
• Museo Guggenheim, Bilbao
• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
• Museu d'Art Contemporani, MACBA, Barcelona
• Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York

Premios

• 1952 - Premio Kandinsky
• 1958 - Premio Carnegie
• 1982 - recibe la Medalla de Bellas Artes.
• 1994 - obtiene el Premio Tomas Francisco Prieto que otorga la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre.
• 1999 - Premio Nacional de Artes Plásticas, obtenido en 1999 ex aequo con la escultora Cristina Iglesias
• 2004 - Premio Velázquez

Santiago Gabán Granizo

Nacido en Madrid en 1972

Graduado en Grabado y técnicas de estampación en la escuela de artes y oficios nº 10 de Madrid.

Exposiciones:

• IV premio Caja Madrid de grabado 1997
• V Bienal internacional de grabado Caixa Ourense 1998
• Feria de grabado internacional Estampa con la galeria Dionis Benassar 2002
• Accésit en la IV Bienal de grabado ciudad de Borja
• VII Bienal de Grabado AixaNova

Obra: "Amantes" Grabado en madera 88x65 cm. edición de 20 ejemplares.

Clyfford Still

Clyfford Still (30 de noviembre de 1904 - 23 de junio de 1980) fue un artista estadounidense, pintor, y además una figura destacada del Expresionismo abstracto.

Nació en la ciudad de Grandin, Dakota del Norte, Estados Unidos. A fines de la década de 1920 y principios de la década de 1930, Still estudió en la Universidad de Spokane, en Washington (Estado), gaduándose en arte en 1933. Enseñó en el Centro de Arte de Spokane durante la Gran Depresión y en la Universidad del Estado de Washington.

Después de trabajar en California entre 1941 y 1943, Still hizo su primera exposición en 1943, en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. Unos años después conoció a Mark Rothko e hizo otra exposición. En 1946 obtuvo un trabajo en la Escuela de Bella Artes de California, en San Francisco, pero volvió a Nueva York en 1950.

Representante destacado del expresionismo abstracto americano, el pintor Clyfford Still comenzó su camino en el arte de manera autodidacta en unas obras que plasmaban sus impresiones del paisaje canadiense en el que creció desde los seis años. Estudió brevemente en la Art Students League de Nueva York en 1925, y desde 1933 hasta 1941 asistió, primero como alumno y luego como profesor, al Washington State College. A pesar de que en 1934 defendió una tesis sobre Paul Cézanne, pronto decidió abandonar toda referencia a la tradición artística europea, siendo uno de los primeros artistas norteamericanos en llegar a la abstracción. En sus obras, en principio cargadas de referencias alegóricas clásicas, poco a poco ganaron protagonismo unas composiciones a base de grandes planos. Con este proceso, que tuvo lugar a finales de la década de 1930, se anticipó al resto de artistas de su generación, que por esas épocas aún trabajaban en obras figurativas conectadas con el surrealismo.

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Still se instaló en Nueva York. Gracias a Mark Rohtko, al que había conocido en 1943 y que se había convertido en buen amigo suyo, conoció a Peggy Guggenheim, que un año después presentó su obra en su galería Art of This Century. En los años que siguieron Still conoció a otros artistas vinculados al expresionismo abstracto, expuso en la Betty Parsons Gallery y su obra se hizo más abstracta. Los títulos fueron sustituidos por números para evitar cualquier interpretación, y su interés por la verticalidad, que ya se había manifestado con anterioridad, se hizo aún más evidente en unos lienzos de grandes formatos bañados por manchas de colores contrastados. Sin embargo, fue precisamente en este momento en el que Still comenzó a volverse muy crítico con el mundo del arte. Se aisló cada vez más y en ocasiones evitó que su obra fuese expuesta o incluso vendida. Finalmente, en 1961, se instaló en una granja de Maryland, donde pasó el resto de su vida.

Guerrero, José

José Guerrero (1914-1991). Fue un pintor y grabador de estilo abstracto siendo reconocido por muchos artistas jóvenes como uno de los pintores más relevantes para las últimas generaciones.

José Guerrero - Granada, 1914 - Barcelona, 1991. Se forma en la Escuela de Artes y Oficios de Granada y muy pronto, se traslada a Madrid para estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en la que tiene como profesor a Daniel Vázquez Díaz.

En 1942 es becado por la Casa de Velázquez, y, tres años después, por gobierno francés, momento en el que se traslada a París. Allí conoce in situ la vanguardia europea y, sobre todo, la obra de los pintores españoles pertenecientes a la Escuela de París.  A partir de entonces, su obra se puebla de ecos vanguardistas y signos picassianos que irá abandonado en los primeros años de la década de los cincuenta cuando descubre el expresionismo abstracto en Nueva York. Instalado desde 1950 en aquella ciudad entabla contacto con la galería Betty Parssons y en 1954, ya expone junto a la obra de Joan Miró en el Art Club of Chicago. Esta muestra supuso para José Guerrero un reconocimiento internacional. La estética de su obra cambia por completo, influida por el expresionismo abstracto de Rothko y l’action painting de Kline. José Guerrero crea unas composiciones donde queda patente una tensión vital entre espacios, colores y objetos irreconocibles.

En 1965 cuando regresa a España su obra comienza a reconocerse. Participa en la creación del Museo de Cuenca. En 1966 realiza una de sus composiciones más conocidas La Brecha de Viznar, inspirada en la obra de Federico García Lorca. Muy pronto, vuelve a Nueva York aunque continuará viajando a España. Su producción continúa teniendo como protagonistas a las masas de color, los planos y las líneas que, en ocasiones, se ven influidas por la obra de Clyfford Still o Barnett Newman.

Reconocido como uno de los pintores españoles más importantes de la Escuela de Nueva York,  la trayectoria de José Guerrero es muy pronto reconocida así en 1959 es nombrado por el gobierno francés Caballero de la Orden de las Artes y las Letras; en 1976 se celebra en su ciudad natal su primera exposición antológica; en 1984 recibe la Medalla de Oro a la Bellas Artes y en 1989 es condecorado por la Fundación Rodríguez Acosta.

José Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 1991) fue un pintor y grabador español nacionalizado estadounidense, enmarcado dentro del expresionismo abstracto.

José Guerrero estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Granada. Viajó a Madrid, para estudiar en la Academia de San Fernando. Más tarde marcha a París (1945), donde conoce la obra de la vanguardia europea, y en particular, de los pintores españoles como Pablo Picasso, Joan Miró o Juan Gris. En esta primera época su obra aún es figurativa.

Se casó con Roxanne Pollock, periodista estadounidense, y en 1950 se fue a Nueva York, nacionalizándose estadounidense en 1953. Comenzó allí a realizar pintura abstracta, formando parte de la Escuela de Nueva York, en cuyas exposiciones participó. Se nota entonces la influencia de pintores como Franz Kline, Mark Rothko, Clyfford Still y Barnett Newman en su obra. Destaca sobre todo por su cromatismo, el uso que hace de las masas de color.

A partir de 1965, aunque seguía viviendo en Estados Unidos, viajó en varias ocasiones a España, y fue uno de los intervinientes en la creación del Museo de Cuenca. Entre los premios y distinciones que recibió a lo largo de su vida, cabe mencionar que fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el gobierno francés (1959).

Hay obras de Guerrero en el Museo Guggenheim de Nueva York, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y en el Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca).

En Granada existe un Centro de Arte que lleva su nombre, inaugurado en el año 2000, con la donación realizada por la viuda del artista a la Diputación. En estas fechas los hijos del artista están reclamando las obras, para llevárselas a otro sitio, alegando que la Diputación granadina ha incumplido el acuerdo pactado hace 10 años.

La posible salida del legado de José Guerrero de la ciudad de Granada (60 cuadros más su archivo y biblioteca personal) ha llenado de preocupación a la comunidad artística. Las principales asociaciones de arte contemporáneo difundieron ayer un comunicado en el que reclaman la Aplicación del Documento de Buenas Prácticas para este museo creado en 2000 para difundir el legado de este gran artista.

El Centro José Guerrero de la Diputación de Granada ocupa un edificio rehabilitado y adaptado con todos los requisitos de la museología actual.

Los dos hijos del pintor, Lisa y Tony Guerrero, asistirán hoy a una reunión en la Diputación de Granada para reclamar la creación de un patronato en el que tengan cabida expertos en la obra de su padre y ajeno a las cuotas políticas, así como un concurso público para la dirección. Las entidades firmantes son el Instituto de Arte Contemporáneo, el Consejo de Críticos de Artes Visuales, el Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo y la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales.

El Centro José Guerrero de la Diputación de Granada ocupa un edificio rehabilitado y adaptado con todos los requisitos de la museología actual por el arquitecto Antonio Jiménez Torrecillas, bajo la supervisión de Gustavo Torner.

Se ubica en la Alcaicería, el más importante centro mercantil de la medina árabe, dedicado principalmente al comercio de la seda. En la misma calle Oficios se encuentran la Lonja y La Madraza, antigua Universidad Árabe y Ayuntamiento de la ciudad durante mucho tiempo. Muy próxima estaba la gran mezquita, donde hoy está la catedral renacentista y la Capilla Real, cuyas cresterías son el fondo de la sala superior del Centro José Guerrero. En el campanario de la catedral tuvo su primer estudio el pintor José Guerrero, como lo tuvo, cuatro siglos antes, Alonso Cano. Se trata por lo tanto de un ámbito cargado de significado histórico y artístico.

El edificio del Centro fue construido por Indalecio Ventura Sabatell en 1892 según proyecto del arquitecto Modesto Cendoya, exponente del eclecticismo y autor más tarde del Hotel Palace en la colina de la Alhambra. Construido para albergar unos almacenes, paso a ser imprenta en 1901, hasta que en 1939 se instalaron en él los talleres y oficinas del diario Patria, que pervivieron hasta 1983.

La obra de rehabilitación, premiada en 2003 por el Colegio de Arquitectos de Granada en la modalidad de Restauración y Rehabilitación, se articula a través de la idea del recorrido como leit motiv de la función museística, a la vez que ahonda en el tema arquitectónico ya esbozado en el antiguo edificio: el exterior se abre a la calle y el interior se vuelca sobre sí mismo y genera un espacio favorable a la contemplación estética. Las propias dimensiones del inmueble favorecen la implementación del modelo museístico finalmente adoptado, basado en la especialización, en la medida, en la escala humana. Los museos pequeños son más fácilmente visitables por un público que cada vez dispone de menos tiempo y de más ofertas culturales, son más abarcables por las instituciones que los crean y mantienen, más ágiles en su creación y funcionamiento y más atractivos para los visitantes.